Ombres vertes

Peter Pan, anatomie d'un mythe

2012-01-05T20:25:00.005+01:00

Dans la série des centenaires internationaux, celui de la première publication du roman Peter and Wendy de Jales Matthew Barrie, en 1911, aura fait bien peu de bruit... Le manque est réparé depuis peu, avec un peu de retard, par la revue en ligne Belphégor, qui vient de publier dans son nouveau numéro un dossier sur Peter Pan. Votre blogueur préféré y tient un modeste article (encore et toujours) sur Arthur Rackham et son interprétation du texte de Barrie.

Illustration d'Arthur Rackham pour Peter Pan in Kensington Gardens, 1906.

L'introduction de Franck Thibault, qui est d'une clarté exemplaire, vous parlera du dossier mieux que je ne saurais le faire. Tout au plus peut-on repréciser que celui-ci est consacré aux différentes réécritures et métamorphoses du personnage inventé par James Matthew Barrie, à la fois dans l’œuvre de son créateur et dans la postérité. Il manquera sans doute des choses dans ce dossier - et notamment une analyse poussée de l'interprétation du roman par Walt Disney -, mais il y a suffisamment de choses pour réjouir les amateurs de Barrie, comme du mythe qu'il a créé. Anatomies d'un personnage, d'un ensemble de textes et d'images, en somme d'un mythe qui a dépassé le strict état littéraire.

Alice et les fantômes

2011-10-31T14:55:00.007+01:00

Deux expositions à aller voir ab-so-lu-ment. Et pour une fois c’est en province.

Alice Liddell, qui a inspiré Lewis Carroll pour la création de son célèbre roman.
Archives Charmet Bridgeman Giraudon.

Tout d’abord “Images d’Alice, au pays des m erveilles”, à la médiathèque de Rennes, qui est avant tout une exposition de livres illustrés qui explore la fortune iconographique de cette œuvre formidable qu’est Alice’s Adventures in Wonderland de Lewis Carroll. Je ne désespère pas de pouvoir m’y rendre: elle ne ferme qu’en mars de l’année prochaine. Et c’est un sujet tout à fait inédit d’exposition, le genre de choses qu’aurait pu faire Orsay si... j’allais dire “si les conservateurs de grands musées parisiens avaient de l’imagination”, mais c’est probablement à la fois faux et surtout gratuitement méchant: le fait est en tout cas que beaucoup d’expositions réellement originales (plutôt que d’énièmes rétrospectives sur Manet ou Mondrian) se font en province, et ne bénéficient pas pour autant de la même couverture médiatique. Ceci dit, moins de moi l’idée de vouloir attaquer les grandes expositions fondamentales sur les grands artistes ou les grands courants, mais simplement de souligner l’originalité d’une telle exposition, qui aurait de la peine à s’inscrire dans la ligne de grandes institutions parisiennes... et qui pourtant ramènerait énormément de monde, à Paris y compris je pense.

Goya, La Conjuration (Les Sorcières), 1797-1798
Huile sur toile - 43 x 30 cm
Madrid, Fundación Lázaro Galdiano
Photo : Fundación Lázaro Galdiano

L'autre expo à aller voir cet automne, donc, est, à Strasbourg, “L’Europe des esprits, ou la fascination de l'occulte, 1750-1950”, qui poursuit la voie ouverte par l’expo “Traces du Sacré” à Pompidou en 2008, dans une veine moins centrée sur les beaux-arts, plus axée sur une histoire culturelle prise au sens large. Une histoire de la fascination qu’ont connu les arts et la littérature pour le monde des fantômes et des esprits nocturnes, de Fuseli à Brauner en passant par Novalis, Breton ou Conan Doyle, donc, mais aussi des tables tournantes, et également de toutes les pseudo-sciences qui ont pu graviter autour des rêveries occultistes. De quoi aiguiser l’appétit pour tous les amateurs d’ombre! Je ne pourrai pas me rendre à Strasbourg, mais si quelqu’un y va et se sent l’humeur (et le temps) de rédiger un petit compte-rendu critique, ce blog lui est ouvert (sous réserves, bien sûr, d’acceptation du contenu par son principal auteur/éditeur). Le risque de ce genre d’expositions étant de noyer le visiteur sous un flot d’objets divers sans lien entre eux, comme ç’avait par exemple été en partie le cas pour l’exposition “Mélancolie” dirigée par Jean Clair il y a quelques années, il est à attendre une hauteur de vue qui permette véritablement de faire le tour du sujet sur deux siècles autrement que de manière superficielle.
Autant dire, ici, un véritable défi, vu l’ampleur tant chronologique que thématique. Mais si celui-ci est relevé avec succès, autant dire qu’il s’agira ici d’une exposition très importante, et encore une fois très originale: si le rapport entre beaux-arts et occultisme a déjà été en partie traité entre autres, récemment, à l’occasion de “Traces du Sacré” déjà mentionné, une bonne histoire de l’occultisme et de ses rapports à la fois avec la science et les arts (c'est-à-dire en tant que phénomène culturel global) reste à faire. Tout le monde (les heureux élus se reconnaîtront) connaît le Sâr Péladan, mais peu connaissent Éliphas Lévi ou Stanislas de Guaita, et leur lien, s’il existe, avec la pensée, la science et les arts de leur époque reste à établir.
Mais il est impossible d’être exhaustif, et La Tribune de l’art estime que ce ne sont pas les manques qu’il faudrait souligner dans cette expo, mais au contraire, davantage, un fourre-tout parfois un peu obscur. On ne doute pas néanmoins que les initiés sauront s’y reconnaître. En attendant, le catalogue est très beau et semble très pointu... mais n’est pas un vrai catalogue dans la mesure où il ne répertorie ni n’explique les œuvres exposées, et donc ne dispense pas d’aller voir ces dernières. C’est jusqu’en février 2012.

Garamond ou Garamont?

2011-10-31T14:42:00.002+01:00

Très beau site sur la police de caractères Garamond, à l'occasion du 450e anniversaire de la mort de son créateur, Claude Garamont. Vous souhaitez en savoir plus sur ce caractère classique, indémodable, sur les circonstances de sa création, ses variations historiques, ses recréations contemporaines, les valeurs et symboliques qui lui sont attachées? Allez-y voir, c'est hébergé et produit par le ministère de la Culture, et très bien fait.

Grande exposition sur les jouets au Grand Palais

2011-10-10T12:14:00.005+02:00

Les articles du Monde et du Figaro sont assez élogieux, mais on pourra lire un compte-rendu plus critique de cette exposition “Des jouets et des hommes” sur Le Magasin des Enfants, dans un billet rédigé par Mathilde Lévêque. Les partis pris scénographiques ne semblent ni d’une grande clarté théorique, ni d’une grande originalité dans les thèmes choisis (les animaux qui mêlent l’Arche de Noé et les animaux du cirque, la différence filles/garçons qui continue visiblement de nourrir les préjugés sexistes, etc.): un beau sujet comme celui-ci aurait sans doute mérité une meilleure architecture. On a l’impression que les commissaires ont davantage fait une exposition sur l’imaginaire du jouet que sur le jouet en lui-même, ses fonctions, son histoire, son esthétique, etc.

Cela reste néanmoins bien sûr une exposition à voir pour la beauté et la rareté de ses pièces, certaines uniques, à l’histoire particulière, etc. Signe des temps, comme très souvent on fabrique de l’événement au lieu d’expliciter une histoire, un objet: c’est visiblement une très grande et belle expo, mais sans doute pas la plus pédagogique ni la plus intelligente qu’on aurait pu rêver sur le sujet.

L'illustration des contes de Grimm au 19e siècle

2011-10-10T12:05:00.005+02:00

Samedi prochain, au séminaire de l’AFRELOCE, je présenterai quelques résultats de mon sujet de thèse. Ça se déroule à l’ENS Ulm, à partir de 10h00.
Plus d’informations sur Le Magasin des Enfants.

On parlera notamment de l’influence de l’illustration sur le statut littéraire des contes: non seulement ce dernier est modifié du fait même que les textes soient illustrés, mais la nature même des images (leur style, leur parti pris iconographique, etc.) influe sur leur réception, et partant sur le genre littéraire qui leur est reconnu.

Grimm et Afanassiev à la BNF

2011-09-22T17:19:00.004+02:00

La semaine prochaine, jeudi 29 septembre, journée d'études consacrée à Grimm, Afanassiev et les collectes de contes au XIXe siècle. C'est à la BNF. Ci-dessous le programme, copié/collé du site de la BNF. Si vous voulez y aller, il faut s'inscrire (voir le lien).
Personnellement, à mon grand regret je ne pourrai y aller, étant pris par une intervention à un séminaire le même jour à Caen. Mais pour les amateurs de contes, allez-y, il n'y a que du beau monde, et des séances de conte sont prévues en plus des conférences savantes.

9h
Accueil

9h15
Ouverture
Jacqueline Sanson, directrice générale de la BnF
Lise Gruel-Apert, présidente de l’Association l’ « Oiselle de feu »
Evelyne Cevin, BnF / CNLJ – JPL

matin
Modérateur : Corinne Gibello-Bernette, BnF / CNLJ – JPL

9h30
Des contes populaires allemands ? Les Frères Grimm et leurs prédécesseurs (Johann Karl August Musäus, Benedikte Naubert, etc.)
Natacha Rimasson-Fertin, maître de conférences, Université Stendhal-Grenoble 3 (ILCEA/CERAAC)

10h15
Les émules des Frères Grimm : Theodor Vernaleken, Ignaz Vinzenz Zingerle, Albert et Arthur Schott, Franz Obert, Josef Haltrich, Pauline Schullerus.
Claude Lecouteux, professeur émérite, Université Paris-Sorbonne (Paris IV)

11h
Débat avec la salle et pause

11h30
Raconter les contes des Frères Grimm et d’Alexandre Afanassiev ?
Evelyne Cevin

12h15
Débat avec la salle

Après-midi
Modérateur : Natacha Rimasson-Fertin

14h
Contes
Evelyne Cevin

14h30
L’intérêt pour les contes populaires en Russie au début du XIXe siècle et l’aspect novateur du recueil d’Afanassiev
Lise Gruel-Apert, professeur émérite, Université Rennes 2

15h15
Les critiques faites en Russie au recueil d’Afanassiev et les collectes qui ont suivi
Tatiana G. Ivanova, vice-directrice de la Maison Pouchkine de Saint-Pétersbourg

16h
Débat avec la salle et pause

16h30
La France : le retard des collectes, une approche nouvelle. D'Emmanuel Cosquin à Antonin Perbosc.
Nicole Belmont, directrice d’études à l’EHESS

17h15
Débat avec la salle

17h30
Synthèse
Muriel Bloch, conteuse [sous réserve]

18h30 à 20h
Contes des Frères Grimm et d’Alexandre Afanassiev
Evelyne Cevin raconte, accompagnée par le quatuor Bedrich

État des lieux

2011-09-20T14:43:00.007+02:00

Cela fait très longtemps que je ne suis pas venu alimenter ce blog, à tel point que j'ai pensé à un moment le désactiver: manque de temps et de motivation pour écrire. Je me donne néanmoins une petite chance pour essayer de recommencer à écrire régulièrement, mettons une fois par mois.

Quoi de neuf depuis plus de six mois (du moins dans ce qui peut intéresser Ombres vertes, rien de privé ici)?

L'exposition que je préparais sur le sujet de la maison Mame s'est très bien déroulée, on peut en voir quelques photos sur le blog du projet de recherches afférent. L'exposition a connu un très vif succès, non seulement de la part des amateurs d'art et du livre, mais aussi de toute une partie de la population, de Tours ou des environs, qui ont travaillé à la maison Mame, ou dont des membres de la famille ont travaillé chez Mame, etc. Seul défaut à mon sens: la durée de l'exposition, qui n'a pas été au-delà de 6 semaines, et n'a pas permis à tous ceux qui voulaient aller la voir de s'y rendre. Question de calendrier... mais le catalogue d'exposition (au sens strict un livret d'exposition dans la mesure où les œuvres exposées n'y sont pas répertoriées), édité par Silvana, est disponible en librairie. Demandez-le à votre libraire (plutôt que de l'acheter sur Amazon, mais il y est aussi disponible).
C'est mon premier livre publié. Au passage, donc, à nouveau un énorme remerciement à Michèle Prévost, Bérangère Rouchon-Borie, et surtout Cécile Boulaire pour leur aide et leurs relectures, aussi bien concernant le livre que l'expo. Le tout vient un peu tard ici, mais je suis très satisfait du résultat, et il est juste de mentionner que je ne suis pas le seul à y avoir contribué.
Le volume du colloque Mame, beaucoup plus érudit et important en taille que le livret d'exposition, est en route, et devrait être publié si tout se passe bien l'année prochaine aux Presses universitaires de Rennes. J'y dirige un chapitre et y ai un article.

William Blake, The Marriage of Heaven and Hell, page de titre, version C (Morgan Library and Museum)

Par ailleurs, une intervention au colloque “Hybridations texte et image”, à l'université de Tours, sur William Blake et son Mariage du Ciel et de l'Enfer. De quoi renouer, après beaucoup de recherches souvent érudites en histoire du livre, avec plusieurs de mes marottes: la période romantique, l'art visionnaire, la symbolique du livre, etc. Normalement l'article devrait être publié dans les actes du colloque, toujours l'année prochaine (enfin, on verra...), aux Presses universitaires François Rabelais, dans une collection dont j'aurai sans doute l'occasion de reparler à l'avenir.
Au passage, j'aimerais adresser mes remerciements aux éditeurs et à toute l'équipe du site internet The William Blake Archive, Morris Eaves, Robert Essick et Joseph Viscomi, pour le formidable travail qu'ils ont pu faire sur l'artiste, et gracieusement mettre à disposition. Ce site est une banque de données impressionnante, où l'on peut voir notamment tous les livres enluminés de Blake, les comparer dans leurs différentes versions, etc. Du travail à la fois précis et intelligent, qui m'a beaucoup facilité la tâche. Merci encore.

Et maintenant, en attendant la suite, en cette période de rentrée, reprise de mon métier de correcteur. Mais on n'abandonne ni la recherche, ni les lectures, ni peut-être le plus important: la contemplation.

Le Cauchemar de Fuseli au Louvre, un imbroglio sémantique

2011-02-04T20:27:00.011+01:00

Cela me faisait tiquer depuis longtemps, de voir ces grandes affiches avec Le Cauchemar de Fuseli pour une exposition du Louvre intitulée l'Antiquité rêvée... Je ne suis pas toujours pas allé la voir, cela ne devrait tarder, mais cette vidéo réalisée par Télérama a néanmoins achevé de me convaincre de deux ou trois choses.

Fuseli, Le Cauchemar, 1782, Detroit, Institute of Arts

Guillaume Faroult, commissaire scientifique de l'exposition, nous y explique dans un premier temps qu'il “n'y a aucune clé, dans la littérature, le folklore ou la mythologie qui puissent nous aider à comprendre tout de suite l'identité des personnages”. Gasp. Dans la littérature et la mythologie, passe encore, mais la figure du cauchemar dans le folklore, qu'en fait-on? Je me permets ici de renvoyer à mes trois billets au sujet de ce tableau. Le cauchemar est quand même une figure folklorique relativement connue à l'époque, et même si ce n'est pas un sujet des plus populaires, il ne faut pas oublier que Fuseli s'adresse essentiellement à un public choisi, capable de comprendre ses allusions à Shakespeare (qui lui-même réutilise le folklore dans ses pièces, mais bref) ou même à l'essai médical de John Bond sur le sujet (mais de cela, M. Faroult n'en parle pas, sans doute n'en a-t-il pas eu le temps). Mais bizarrement, un peu après, M. Faroult ajoute que le démon avait pu être interprété comme étant un incube, figure du folklore démoniaque occidental (“septentrional”, ajoute-t-il, alors que l'auteur du principal traité connu sur les incubes, Ludovico Sinstrari, est un inquisiteur italien, mais passons). Il faudrait savoir, folklore ou pas folklore? Possibilité d'interprétation ou non?
Ne soyons pas injuste envers M. Faroult, je pense que nous pouvons tomber d'accord sur le fait que la clef du tableau de Fuseli n'est pas d'accès aisé et demande une certaine érudition. De là à dire qu'il n'y en a pas, c'est aller un peu loin, et revenir à dire que le tableau est incompréhensible... ce qu'il n'est pas: il est tout au plus mystérieux parce que plusieurs clés empruntées à plusieurs domaines (littérature, folklore, médecine...) y donnent accès sans véritablement se contredire. Ce qui est la marque du fait que ce n'est pas un tableau simplement allégorique, mais peut-être bien “symbolique” au sens où l'entendront plus tard les symbolistes: Fuseli manierait des “symboles” ouverts, aux sens non fixés par des conventions préétablies, qui du coup (contrairement par exemple à La Justice et La Vengeance divine poursuivant le Crime de Prud'hon, un peu plus tard, mais toujours dans l'ère néoclassique) laisserait une interprétation relativement ouverte. Le débat est long et passionnant, mais je pense qu'on peut à peu près tomber d'accord sur pas mal de choses concernant ce point.

Prud'hon, La Justice et la Vengeance divine poursuivant le Crime, 1808, huile sur toile, 2,44 x 2,94 m, Paris, musée du Louvre.

Là où j'ai bien peur que l'on ne soit absolument pas d'accord, en revanche, c'est sur le fait, pourtant d'importance centrale pour l'exposition, que le tableau de Fuseli constituerait un très bon exemple d'une “réaction” à l'anticomanie de la fin du 18e siècle. C'est-à-dire? Je sais que c'est justement le propos de l'exposition que de montrer cette réaction au néoclassicisme (qui est le véritable sujet de l'exposition du Louvre, mais le mot reste bizarrement absent des descriptions officielles...), et que je n'ai pas encore vu l'exposition et suis donc mal placé pour juger. Soit.
Mais si on nous dit que Le Cauchemar de Fuseli en est le meilleur exemple, là je ne comprends vraiment pas. Il n'y a absolument aucun rapport de sens entre cette œuvre et l'Antiquité, ce qui m'avait fait tiquer en voyant l'affiche. On vient m'expliquer ensuite que c'est justement parce que c'est une œuvre en réaction contre le modèle antique. Je veux bien, mais il ne faut pas non plus prendre les gens pour des idiots: ce n'est pas parce qu'une œuvre n'a pas de rapport sémantique avec un domaine qu'elle s'inscrit nécessairement contre lui. Elle peut aussi tout simplement s'inscrire ailleurs, ici dans un autre imaginaire que celui de l'antique, celui du folklore médiéval et de Shakespeare. Si elle devait s'inscrire contre l'Antiquité, on verrait peut-être au moins une allusion à l'Antiquité quelque part, mais ce n'est pas le cas. A moins de supposer que l'irrationalité du cauchemar aille directement à l'encontre de l'idée d'une rationalité antique?... Je veux bien, cela se discute, mais mériterait au moins que l'on parle du rôle que joue l'imagination dans le romantisme, un terme qui est aussi évité que celui de néoclassicisme, dans le discours de M. Faroult comme dans le synopsis de l'expo lisible sur le site du Louvre. Plutôt que de parler de romantisme, on préfère parler du “courant dit gothique ou sublime”. Le courant gothique, passe encore, mais le “courant sublime”, je ne vois pas ce que c'est à part une impropriété syntaxique (à moins qu'on ne veuille parler d'un grandiose cours d'eau?...) qui n'a pas lieu d'être quand le terme “romantisme” permettrait d'englober goût gothique et sens du sublime.

Une autre théorie beaucoup plus plausible me vient alors à l'esprit. Le Louvre voulant faire une exposition avec des pièces sensationnelles prend un sujet fourre-tout, l'interprétation de l'Antiquité par les artistes du 18e siècle, et en plus se permet d'y ajouter de très belles pièces qui n'ont absolument rien à voir avec un sujet pourtant vaste. Pourquoi? Parce que le but, comme dans beaucoup trop de grosses expos, c'est d'avoir des pièces sensationnelles, pas de faire des expos cohérentes qui se tiennent intellectuellement d'un bout à l'autre de l'accrochage.
Pour quelle raison ne pas vouloir d'expos cohérentes? Parce que (principe marketing n°1) : “De toute façon les gens ne vont rien y comprendre”. Et puis c'est de l'art, c'est fait pour être admiré, pas pour être compris. Ensuite, pourquoi utiliser, pour l'affiche, une œuvre contradictoire avec le thème de l'exposition? Principe marketing n°2: “La culture, c'est pas sexy, il faut la rendre sexy”, alors pour une fois qu'on a un tableau avec une femme pâmée et un kobold, on va le placer coûte que coûte, plutôt qu'une vieillerie qui imite l'antique de manière un peu austère. Enfin, pourquoi ne pas appeler un chat un chat, et ne pas parler 1/ de néoclassicisme, 2/ de réaction romantique? Foin d'un remaniement des concepts historiographiques, la réponse est tout autre (principe marketing n°3): “Il ne faut pas effrayer les gens par des mots compliqués ou rébarbatifs”.
Si ma théorie est vraie, merci Le Louvre®, vous jouez vraiment bien votre rôle de modèle, national, et donnez visiblement vraiment la voie à suivre à l'ensemble de la muséographie française. Quand il y aura un peu moins de marketing et un peu plus d'histoire de l'art dans les expositions des gros musées nationaux, les œuvres, je pense, ne s'en porteront que mieux.

Voilà mes préventions, à l'exposition désormais de me montrer qu'elles sont infondées. Mais au niveau de la communication, déjà, un beau cafouillage intellectuel. Qui a dit que culture et communication faisaient bon ménage?

Des revenants au Louvre

2011-02-04T19:02:00.006+01:00

Daniel Rabel, Première entrée des fantômes, quatre figures, 1632, cliché RMN.

Du 13 janvier au 28 mars a lieu une drôle de programmation culturelle au musée du Louvre. Non ce n'est pas une suite de conférences d'histoire de l'art ou de théorie muséographique, mais bien un cycle de conférences et de projections de films autour des revenants, et de la figure du retour des morts. Accompagnant une exposition du département des arts graphiques sur le même sujet (qui elle-même accompagne en partie l'expo block-buster “L'Antiquité rêvée”, dont j'espère pouvoir reparler), qui dure du 13 janvier au 14 mars, et qui a l'air absolument passionnante.

Que l'on ne s'attende pas à du film de zombi* bien gras, bien sûr, Louvre oblige, mais bien à un Dreyer, un Fritz Lang, des films de Kiyoshi Kurosawa, le Dead Man de Jarmusch (qui est désormais, depuis l'expo Blake du Petit Palais, admis au musée), Aux frontières de l'aube de Bingelow à la rigueur, etc. Je note personnellement surtout une reconstitution des fantasmagories de Robertson, sorte de spectacle à la lanterne magique de la fin du 18e siècle, qui fait partie des ancêtres du cinéma.

Côté conférences, il y a également de quoi faire: je retiens notamment celle de Jean Wirth sur le macabre médiéval, le 21 février, et celle de Clément Chéroux sur la photographie spirite, le 28 février. Sinon, Didi-Huberman, Olivier Schefer, Philippe-Alain Michaud... du beau monde.

Girodet, Le Songe d'Enée, lavis brun et gris, rehauts de blanc sur traits de crayon, Paris, musée du Louvre, cliché RMN.

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*On a quand même droit au Jour des morts-vivants de Romero, pas aussi incontournable que La Nuit, du même, mais bon... pour une fois qu'il y a des zombis au Louvre!

Film pour une révolution et six percussionnistes

2011-01-09T22:38:00.003+01:00

Peut-être se souvient-on encore de "Music for one apartment and six drummers", un morceau en 4 mouvements dont la représentation avait été filmée il y a déjà quelques années (2001 visiblement), et qui montrait des percussionnistes s'emparer l'espace de quelques minutes d'un appartement pour y faire de la musique avec les objets de la vie quotidienne: interrupteurs, brosses à dent, atomiseurs de parfum, verres...
Les percussionnistes viennent de remettre le pied à l'étrier, pour un long-métrage cette fois-ci, qui est sorti fin décembre (un extrait ici). C'est du jamais vu, sorte de polar délirant où des musiciens terroristes tentent de faire d'une ville entière leur instrument de musique. Il n'y avait que des Suédois pour inventer cette sorte de Fight Club pour percussionnistes, tout à fait surréaliste, et en tout cas jouissif, surtout pour les batteurs cela va de soi, mais aussi pour les autres. Si le scénario reste peut-être un peu lâche, qui empêche de considérer le film comme un pur chef-d'œuvre, on ne peut qu'admirer l'inventivité des scénaristes.

La cruauté de Webster, la sensualité de Keats

2011-01-06T17:55:00.008+01:00

Pour me délasser des missels du Second Empire, et autres choses fascinantes que je dois étudier pour préparer l'exposition Mame à venir à Tours dans bientôt deux mois, j'arrive encore à trouver un peu de temps pour moi. Aussi, les cadeaux de Noël ayant amené Bright Star dans notre maigre collection de dvds, je me suis mis avec ravissement à la lecture de quelques poèmes de Keats. Et notamment à The Eve of St Agnes, décidément très beau, comme peut l'être la poésie romantique, mais, contrairement à celle de Shelley, lente, calme, méditative... et pourtant passionnée en même temps. Surtout, la poésie anglaise est tellement concrète, tellement proche des choses, si peu encline à "faire de l'esprit"...

John Keats par Joseph Severn, 1821-1823, National Portrait Gallery, Londres.

Puis nous sommes allés voir, hier soir, la Duchesse de Malfi de John Webster, dans une traduction d'Anne-Laure Liégeois et Nigel Gearing, et une mise en scène d'Anne-Laure Liégeois. Rarement vu quelque chose d'aussi violent, noir, et en même temps grotesque, voire grand-guignolesque, surtout sur la fin. Nous avions déjà vu une pièce montée par A-L Liégeois: il s'agissait d'Edouard II de Christopher Marlowe, un dramaturge de la même veine : époque shakespearienne, théâtre jacobéen sulfureux où les scènes de violence se disputent celles de sexe, de malédictions et d'imprécations contre le destin.
Sauf que la trame historique, chez Webster, disparaît au profit d'un excès baroque assez stupéfiant, qui confine parfois au délire, comme dans cette scène où, pour la consoler de l'avoir enfermée dans une tour, un frère propose à sa sœur la duchesse de lui faire assister à un spectacle de fous racontant tous, simplement vêtus d'une chemise, des absurdités que n'auraient pas reniées un Rabelais ou un Lucien.

La Duchesse de Malfi de Webster, mis en scène par A-L Liégeois. Cliché Christophe Raynaud De Lage.

Et tout ça écrit au XVIIe siècle, dans ce XVIIe siècle synonyme pour nous, en France, de classicisme et de rationalité... Ne nous étonnons pas en tout cas que le roman noir soit né en Angleterre, à l'époque où les Lumières, en France, battaient leur plein. L'opposition de Shakespeare et de Racine est vieille comme les études littéraires, mais celle entre le grotesque noir et délirant de Webster et le comique bien sage de Molière laisse à réfléchir... Mais comment se fait-il, décidément, que les Anglais soient aussi doués en littérature? J'essaierai d'y repenser en retournant à mes livres illustrés catholiques pour la jeunesse du XIXe siècle...

La Duchesse de Malfi de Webster, mis en scène par A-L Liégeois. Cliché Christophe Raynaud De Lage.

Visage Vert, 17e du nom

2010-11-30T09:24:00.009+01:00

Je suis très en retard par rapport au moment où j'ai reçu mon exemplaire, aussi j'espère qu'Anne-Sylvie Salzmann me pardonnera: j'étais pris par d'autres lectures... Voilà mon compte-rendu du 17e numéro du Visage vert. Ou plutôt devrais-je dire mon appréciation personnelle d'une partie seulement du numéro: je n'ai pas tout lu, et mon avis sur ce que j'ai lu n'engage évidemment que moi. Je ne prétends donc pas donner des leçons, simplement donner mon humble impression personnelle: les auteurs et éditeurs prendront dans mon compte-rendu ce qu'ils jugent pertinent, et rejetteront le reste.

Par où commencer? Mettons par le début, soit Romain Verger, dont j'ai vraiment apprécié l'imaginaire étrange et sylvestre, quoique certaines coquetteries de style, parfois un peu lourdes (ainsi du pléonasme “fresque pariétale”) m'engageraient à l'inviter à raffiner son style dans le sens de l'austérité. Je pense sincèrement que la prose de Romain Verger gagnerait à délaisser Huysmans et les autres fin-de-siècle, et à relire Nerval et Hoffmann. Toujours est-il que l'auteur, notamment dans “Sylvia” et “Aux champignons” (“Vlad” m'a semblé plus convenu, et pour tout dire peu intéressant) sait distiller une atmosphère d'étrangeté qui confine parfois au cauchemardesque, et que cette capacité à donner une ambiance à un récit (qui par ailleurs est minimaliste) n'est pas donné à tout le monde. Une plume prometteuse.
La nouvelle de Judith Gautier est assez intéressante, et même si elle ne me semble pas constituer la trouvaille du siècle, elle manie des thématiques qui, pour être devenues des clichés (la fleur mortelle exotique, l'histoire d'amour italienne...) sont néanmoins inscrites dans une narration tout à fait bien menée. “La Fleur-Serpent” se lit et délasse bien, on ne lui en demandera pas beaucoup plus. Du point de vue de l'histoire littéraire, elle ménage un pont intéressant entre le romantisme de Gautier et l'écriture fin de siècle de Vernon Lee, Jean Lorrain, etc.
J'ai énormément apprécié le récit de Rhys Hughes, “La déconfiture d'Hypnos”, qui est à la fois brillamment écrit (et probablement brillamment traduit) et assez inattendu dans sa forme narrative comme dans son ton humoristique. Le titre français est excellent, véritable trouvaille de traducteur. Ce récit de Rhys Hughes me rappelle un peu les Fictions de Borges: je crois que c'est l'impression que l'auteur est parti d'une idée métaphysique un peu bizarre avant de la transformer en récit, et n'est pas parti d'une situation, d'une impression ou d'un personnage. Très drôle en tout cas, et pour le coup c'est (pour moi) une vraie découverte: j'engage le Visage vert, s'il s'en sent les épaules, à traduire davantage de nouvelles de cet auteur gallois dans le cadre de sa maison d'édition fraîchement née.
J'ai du mal, en revanche, à comprendre l'enthousiasme de la revue pour la prose de Cristian Vila Riquelme, dont les récits, certes assez étranges, m'ont vraiment paru poussifs. C'est sans doute aussi l'effet de la traduction, qui en bien des endroits m'a semblé très maladroite, et a laissé des coquilles qui gênent vraiment la lecture (oubli de la ponctuation...). Toutefois, dans “Retour”, l'artifice, autrement appréciable, de l'adresse du narrateur à un “consul” auquel il rendrait un rapport ou écrirait une lettre paraît particulièrement impertinent à la fin du récit quand le dit narrateur disparaît dans l'autre monde... le rendant ainsi incapable de rédiger le dit rapport ou la dite lettre. L'ensemble me fait vraiment penser à un prosateur qui veut faire de la poésie “sans le savoir”, ou plutôt sans le dire, et qui n'y parvient donc guère.
Le conte de Jessica Almonda Salmonson est très bien, mais je me suis vraiment demandé ce que sa version apportait par rapport aux versions folkloriques dont elle s'est inspirée. C'est sans doute mon côté anthropologue qui ressort (d'où sort-il d'ailleurs, vu que je ne suis pas anthropologue du tout?), mais j'ai en général tendance à privilégier les contes populaires aux réécritures, sauf bien évidemment quand celles-ci apportent quelque chose de nouveau (ce qui ne me semble pas être le cas de “La femme qui avait épousé un phoque”). Mais pourquoi pas: en tout cas, c'est une très jolie histoire.

Dans le dossier “Présences cachées” j'ai particulièrement apprécié la nouvelle de John Buchan, les deux autres m'ayant laissé relativement indifférent. “Skule Skerry” est un récit vraiment très bien écrit (et traduit), très fluide, très agréable à lire: on se trouve véritablement face au “beau style” qui fait l'attrait majeur de la littérature anglaise, fût-elle “de genre”, de cette période. Rien de transcendant, encore une fois, mais une belle histoire qui raconte l'entrevue (ou non ?) d'un ornithologue anglais avec un selkie dans les Orcades peut difficilement laisser indifférent un amateur d'histoires où l'autre monde se laisse entrevoir à l'homme aventureux. Par contraste, la nouvelle d'Edward Fredric Benson me semble assez convenue, et pour tout dire relativement poussive: cette entrevue, sur fond d'hôtel suisse mal décrit, avec une espèce inconnue d'hominidés me rappelle “le Horla”, à savoir une sorte de fantastique dépourvue de magie que je ne goûte guère. Quant à Paul Busson, je ne l'ai lu qu'en diagonale, n'appréciant qu'à petites doses l'artifice, ici mis en scène de manière particulièrement lourde, du récit enchâssé.
L'article critique de Michel Meurger est, comme à l'habitude de l'auteur, d'une prodigieuse érudition qui force l'adhésion. Toutefois, on pourra sans doute lui reprocher un goût un peu trop prononcé pour les affèteries stylistiques, goût qui rend parfois un peu difficile d'accès son discours ; ainsi on relèvera “une culture rustique saturée de démonie” pour parler des superstitions populaires ayant trait aux démons et diables, ou bien “le sieur Sänfftle” au lieu d'un sobre et pourtant compréhensible “Sänfftle”, etc. Certaines mises en perspective me semblent par ailleurs maladroites: “Bon sismologue, [Paul Busson] a su capter les vibrations d'un réveil dionysiaque paysan” ; j'ignorais qu'il y eût, à la fin du 19e siècle, un renouveau des croyances païennes en Europe dans le monde paysan, croyant naïvement qu'il s'agissait d'un tropisme qui avait uniquement agité le monde lettré, savant, majoritairement urbain (Machen, Giono, Yeats, Crowley... mais aussi Barrie ou Grahame). Il faudra que Michel Meurger nous le montre, ou alors qu'il révise son jugement ou sa manière d'écrire.

Un dernier mot sur la présentation graphique de la revue, qui d'après ce que j'ai compris devrait encore évoluer dans les prochains numéros depuis que le Visage vert a quitté le gîte de la maison Zulma. La maquette est vraiment très belle et très originale, mais en effet le cadre rend sans doute difficile la mise en pages, et les notes de bas de page au milieu du texte sont assez dommageables. L'illustration, en revanche, est de très grande qualité, et on ne saura jamais assez remercier les petites maisons comme le Visage vert de prendre soin de la qualité visuelle de leurs publications, qui se fait certes à la mesure de leur budget, mais avec goût et ténacité. Merci à vous, et bon vent vers l'autre monde (et retour !).

Soirée Grimm, Paris

2010-11-13T22:33:00.003+01:00

Je me contente de reproduire cette info du blog/carnet de recherches Le Magasin des enfants (manière de lui dire bonjour en passant).
Je regrette vraiment de ne pouvoir être là, d'autant plus que j'ai aussi une responsabilité (tout à fait mineure, certes) dans l'ouvrage, que Natacha est une amie et que Mme Belmont était à ma soutenance et est quelqu'un qui a beaucoup de choses très intéressantes à dire sur le conte. Habiter en province, parfois, c'est difficile...

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Nous signalons cette manifestation culturelle à l’Institut Goethe de Paris:

« Et si l’on (re)lisait… Grimm »

Lundi 15 novembre 2010, 19h
Goethe-Institut – 17 avenue d’Iéna, 75116 Paris
Français
Entrée libre – Réservation conseillée
Tél. +33 1 44439230

Dans le cadre des Journées du Livre Européen, en coopération avec les éditions José Corti
En présence de Natacha Rimasson-Fertin, traductrice et germaniste (maître de conférences à l’Université Stendhal-Grenoble 3) de Nicole Belmont (anthropologue européaniste, enseignant-chercheur à l’EHESS).
Lecture: Lucie Bataille (comédienne)

http://www.goethe.de/ins/fr/par/ver/fr6684602v.htm

Svankmajer

2010-10-29T10:03:00.007+02:00

Jan Svankmajer

Hier soir aux Studios, à Tours, nous avons eu la chance d'assister à une projection des Conspirateurs du plaisir (1996) de Svankmajer, réalisateur tchèque surtout connu pour ses films d'animation, en sa présence. Non seulement le film était passionnant - je ne dirais pas “déroutant” parce qu'en fréquentant Lynch ou Gilliam les idées surréalistes, l'imaginaire sexuel ou la narration métaleptique sont devenus familiers au spectateur “exigeant” -, mais Svankmajer s'est également montré très aimable dans ses réponses aux questions, nombreuses et intéressantes, du public.

Alice de Jan Svankmajer (1988)

Ce qui déroute le plus, c'est de se rendre compte que des cinéastes de l'ampleur de Svankmajer ne sont pas mieux connus en France, qui se targue pourtant d'être l'un des hauts-lieux du 7e art. Une rétrospective complète de son œuvre (la première en France), animée par le sympathique et savant Pascal Vimenet, a néanmoins lieu en ce moment au Forum des images, à Paris. Ce soir, vous pourrez voir son adaptation d'Alice, qui est à mille lieues du médiocre long-métrage de Tim Burton dont on nous a bassiné les oreilles lors de sa sortie. Allez voir l'Alice de Svankmajer, vous comprendrez ce que c'est qu'une adaptation personnelle et réellement troublante du chef-d'œuvre de Lewis Carroll.

Naissance de l'album

2010-10-11T09:38:00.004+02:00

Walter Crane, The Frog Prince (original en couleurs), Routledge, 1874.

Avis aux amateurs : je donnerai vendredi une conférence organisée dans le cadre des Matinées du Patrimoine, cycle de conférence sur l'histoire du livre et de la littérature de jeunesse proposé par La BnF, Centre national de la littérature pour la jeunesse / La Joie par les livres:

* “Walter Crane, Kate Greenaway et Randolph Caldecott, ou la naissance de l’album moderne pour enfants”
Par François Fièvre, chercheur en histoire de l'art associé à l'université de Tours.

* PRÉSENTATION : Le travail de Walter Crane, Kate Greenaway et Randolph Caldecott représente, dans les années 1870 en Grande-Bretagne, un moment important de l’histoire du livre pour enfants : pour la première fois peut-être, l’espace de la double-page, et du livre dans son intégralité, est organisé selon une logique imposée par l’image et non plus par le texte, consacrant ainsi la naissance de l’album moderne pour enfants. La conférence se propose d’examiner en détail quelques-uns de ces albums anglais, souvent peu connus et en tout cas peu étudiés en France, ainsi que d’engager à une réflexion à la fois lexicale et historiographique sur les limites à poser entre album et livre illustré.

Kate Greenaway, illustration pour Under the Window, Routledge, 1878.

* INFORMATIONS PRATIQUES : vendredi 15 octobre, 9h30-12h30, dans les locaux du Crédit muutuel, 88 rue Cardinet, 75017 Paris.

* LES MATINEES DU PATRIMOINE
Conférences sur l’histoire du livre et de la littérature de jeunesse:
des spécialistes, universitaires ou professionnels du livre, évoquent
l’évolution de l’édition jeunesse et des différents genres et thèmes de
la littérature enfantine, de la fin du XVIIIe siècle jusqu’à aujourd’hui.
Avec le soutien de la Fondation du Crédit Mutuel pour la Lecture
www.cmutuel.com/fondation .

Randolph Caldecott, The Diverting History of John Gilpin, Routledge, 1878.

GRATUIT sur inscription

* RENSEIGNEMENTS / INSCRIPTIONS
Marion Caliyannis
Bibliothèque nationale de France
Centre national de la littérature pour la jeunesse – La Joie par les livres
Quai François Mauriac 75706 Paris Cedex 13
Tel : 01 53 79 57 06 / Fax 01 53 79 41 80
Courriel : prénom.nom@bnf.fr (et remplacer par marion.caliyannis)

Le bois et le jardin

2010-09-26T15:14:00.011+02:00

Thoreau

Les nouvelles traductions sont à la mode... Autant je doute de la pertinence de celles du genre des Confessions de saint Augustin, dont le titre avait de manière polémique été transformé en les Aveux en 2008, autant Walden, de Thoreau, souffrait dans la précédente traduction de G. Landré-Augier d'avoir été retranscrite dans un français très lourd, voire poussif (j'ignore ce qu'il en est de la trad. de Fabulet chez Gallimard), et nécessitait sans doute une retraduction. Même si l'original est très digressif et parfois assez long, le style de Thoreau est loin d'être chargé, et je pense que la nouvelle traduction de Brice Matthieussent, parue ce mois-ci chez Le Mot et le Reste, sera très bonne. Je dis "je pense" parce que je n'ai pas encore eu le temps d'aller la voir, mais vu l'expérience du traducteur, qui s'est déjà confronté à la plupart des grands noms de la littérature américaine, je pense que l'on peut y aller les yeux fermés.

Arthur Rackham pour James Matthew Barrie, Peter Pan in Kensington Gardens, 1906
(pour célébrer la venue de l'automne)

En revanche, n'allez pas acheter les yeux fermés la nouvelle traduction par Céline-Albin Faivre de Peter Pan in Kensington Gardens de James Matthew Barrie, illustré par Rackham, parue il y a quelques jours. Autant il faut remercier les éditions Terre de Brume pour avoir accepté de rééditer un tel chef-d'oeuvre de la littérature enfantine avec l'intégralité des illustrations de Rackham, ce qui ne s'était pas fait en France depuis... 1907, autant on peut reprocher à cette nouvelle traduction d'être émaillée de lourdeurs, et surtout de contresens, comme ce "little persons" de la première ou deuxième page, je ne sais plus, qui est traduit par "petit peuple", faisant ainsi allusion aux fées alors qu'il n'est ici question, dans le texte de Barrie, que d'enfants (dans ce passage tout du moins, les fées apparaissant ultérieurement*)... Pour le reste, les illustrations couleur de Rackham sont superbement reproduites - j'ai plus de réserve pour les illustrations noir et blanc reproduites à l'encre violette, ce qui est très laid**. Et bien sûr le texte de Barrie est à lire (en anglais de préférence).

Dans la veine du romantisme écologique, il convient également de signaler la sortie, aux éditions Finitude, de la Vie dans les bois de Charles Lane, un livre auquel Thoreau a visiblement beaucoup pensé quand il a écrit Walden. C'est visiblement la première traduction française de ce court essai. L'automne se passera donc dans les bois ou les jardins, selon les goûts...

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* Au passage : l'expression consacrée en anglais pour le "petit peuple", c'est-à-dire les fées, est "little people", pas "little persons"...
** Décidément j'aime énormément la ligne éditoriale de Terre de brume, mais pas leurs maquettes (ni leur site en flash, d'ailleurs)...

Une bataille de chiffres

2010-09-17T09:18:00.006+02:00

Marion Bataille, designer célèbre pour avoir réalisé un magnifique abécédaire pop-up, vient de sortir, chez Albin Michel, un magnifique livre sur les chiffres, dont la caractéristique est que les chiffres, de 1 à 10, se déplient et se retournent de manière à laisser apparaître un autre chiffre qui, additionné au premier, donnera systématiquement la somme de 11 : ainsi le 2 laisse apparaître un 9, le 9 un 2, le 3 un 8 et le 8 un 3, etc. Le livre joue ici sur la particularité des chiffres qui est qu'ils peuvent se combiner entre eux par des opérations mathématiques (ce qui n'est pas le cas des lettres de l'alphabet, qui s'agrègent, s'accumulent en mots, mais ne s'additionnent pas), mais c'est surtout une formidable expérience visuelle qui permet de mieux voir des formes devant lesquelles on passe habituellement de manière indifférente.

Quoi de commun entre un 9 et un 2 ? Tout, sauf la barre horizontale inférieure: tout dépend de la manière dont on le dessine, et c'est là que résident le travail et la réflexion de Marion Bataille.

Merci à Jean Véronis d'avoir signalé cette publication.

Rumpelstiltskin

2010-09-15T12:22:00.003+02:00

Tiens, une nouvelle application Ipad (et Iphone) destinée aux enfants reprend un conte de Grimm, Rumpelstiltskin, signe, s'il en était besoin, de la prégnance de ces contes (plutôt que ceux de Perrault ou d'Andersen) dans l'imaginaire enfantin anglo-saxon.

Assez bizarrement, cette application consiste à feuilleter un livre virtuel, livre pop-up, certes, et amélioré avec pléthore d'animations impossibles dans un livre papier, mais livre quand même : signe, cette fois-ci, de la permanence de la forme symbolique du livre quand il s'agit de raconter une histoire. La mort du livre tant de fois annoncée, qui serait remplacé par l'écran, n'est qu'une vaste fumisterie: tant qu'on éprouvera le besoin de raconter des histoires, le livre, papier ou autre, répondra présent.

Russie éternelle

2010-08-29T22:32:00.008+02:00

Entre 1909 et 1912, Sergüeï Prokoudin-Gorski (1863-1944) entreprit, avec le soutient du tsar Nicolas II, de photographier les territoires et les habitants de l'Empire Russe. Grâce à un appareil spécial permettant de prendre des séries de trois photos en noir et blanc, successivement avec des filtres rouge, vert et bleu, puis en les superposant et les projetant sur un écran, il pouvait obtenir des couleurs de qualité exceptionnelle.

Le Boston "Big Picture" propose quelque 34 clichés parmi les centaines que contient cette collection de la Bibiothèque du Congrès (voir l'exposition en ligne "The Empire that was Russia"). Les images, exhumées en 2003 et restaurées à l'aide du numérique, défient le temps par la vérité des couleurs, et l'éloignement de plus d'un siècle fascine, tant la facture des photos semble moderne. Et pourtant c'est d'une époque reculée que nous parviennent ces clichés, où ni la Première Guerre Mondiale ni la Révolution Russe n'avaient encore eu lieu.

Les images d'un empire immensément vaste, passant par l'Arménie, la Géorgie, le Turkménistan, le Daguestan, la Turquie, l'Ouzbékistan, le Kazakhstan, ou encore l'Abkhazie, sont tout simplement d'une beauté à couper le souffle, mais surtout elles redonnent vie à ces visages et à ces paysages de manière absolument saisissante. C'est au présent que ces clichés nous parlent. Une présence éternelle, un présent pour l'humanité.

Retour des Orientales 2 - La Perse

2010-07-11T21:47:00.006+02:00

Après l'Inde, la Perse était à l'honneur de la dernière demi-journée du festival des Orientales, à Saint-Florent-le-Vieil.

Biographie de Rûmî par Leili Anvar

Deux spectacles avaient été prévus en écho l'un à l'autre, il s'agissait en début d'après-midi de la conférence de Leili Anvar et du concert, très attendu, de Shahram Nazeri, à 18h00. L'un comme l'autre ont été des moments inoubliables, même si la qualité du premier a été très surprenante: je m'attendais à une simple conférence très didactique sur le thème de la poésie d'amour iranienne, et j'ai eu l'une des interventions les plus émouvantes qu'il m'ait été donné d'entendre durant ma courte vie.
Je pèse mes mots: j'ai pourtant eu plus que souvent l'occasion d'entendre des conférences scientifiques, mais celle-ci, soit qu'elle était accompagnée d'une improvisation par l'un des musiciens de Nazeri, soit que Leili Anvar, maitre de conférences à l'Inalco, avait elle-même mis tout son cœur dans la lecture - en langues française et persane - d'extraits de poésie amoureuse de Rûmî, d'Attar, et d'autres poètes (et poétesses) iraniens du XIIe au XVe siècle, cette conférence, donc, m'a laissé complètement transi, coi, pantois. Je crois n'avoir pas été le seul à avoir ainsi compris le sens du mot “transporté”: la poésie d'amour, charnel ou mystique, a je crois cet après-midi bien rempli son rôle extatique.

Shahram Nazeri

Le concert de Shahram Nazeri, de son côté, a été absolument envoûtant, et qui ne connaît pas le Ravi Shankar du chant perse, la star de la musique traditionnelle iranienne, n'a plus qu'à aller la découvrir pour être convaincu. Ce que j'ai entre autres apprécié ce soir là, c'est l'humilité de ce grand artiste: la programmation ne le mettait pas en avant, et laissait toute sa place aux musiciens qui l'accompagnaient, et qui ont ainsi pu faire montre de leur virtuosité et de leur sensibilité propres. Le grand chanteur nous a chanté à l'occasion de son passage en France un extrait du Livre des rois du poète Firdousi, qui, comme nous l'a rappelé Leili Anvar en début de concert, a été composé il y a tout juste mille ans, en l'an 1010. L'extrait choisi m'a laissé pensif, il s'agissait de l'histoire, résumée par Leili Anvar en début de concert lors de sa présentation, d'un roi tyrannique et surtout usurpateur, qui s'est trouvé défait par le prétendant légitime du trône, lui-même aidé par un forgeron puissant, symbole du peuple. Allusion au régime iranien actuel? Probablement: c'est par le mythe que la musique répondrait de manière détournée à l'histoire. Toujours est-il que mythe et réalité se sont ce soir-là trouvés joints dans le chant d'un aède venu d'Orient.

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Une note funeste néanmoins pour cette édition du festival, sans doute: alors même que des artistes perses comme Shahram Nazeri étaient, dans le document de présentation du festival, présentés comme très libres dans leur rapport à la religion musulmane (“L'âme perse a toujours préféré s'immerger dans cet océan de la transe et de la connaissance symbolique plutôt que de se laisser porter par le fleuve calme de la légalité religieuse”), on s'interrogera sur la tribune laissée dans le même festival à Tariq Ramadan, pourtant connu pour son double discours et son accointance avec les franges les plus radicales de l'islam.
Et surtout, quoi que l'on pense du personnage, que vient faire une conférence sur “l'islam aujourd'hui" dans un festival de musique, fût-elle orientale? A part une lubie incompréhensible d'Alain Weber, le directeur artistique qui est pourtant d'habitude de jugement plus sûr, je ne vois pas d'autre explication à ce "point noir" qu'une intrusion du politique dans la programmation. Hervé de Charette, député Nouveau Centre et maire de Saint-Florent-le-Vieil, mais aussi président de l'Institut français de finance islamique, y aurait-il été de son grain de sel? Dans tous les cas, il y a des moments où devrait seul régner le symbolique, et où le politique devrait avoir la sagesse de s'éclipser.

Retour des Orientales 1 - L'Inde

2010-07-06T22:20:00.005+02:00

Le weekend dernier, Cha et moi étions sur un petit nuage. La dernière édition du festival des Orientales à Saint-Florent-le-Vieil, la patrie de Julien Gracq, nous a permis de découvrir bien des artistes talentueux, et de nous envoler un peu vers d'autres horizons.

Arrivés tard le samedi soir, nous avons pu assister à la “nuit indienne” intitulée Rising Stars, nuit consacrée à la découverte de jeunes artistes prometteurs de musique classique indienne.

Rama Vaidyanathan (origine site de la danseuse)

La soirée commençait, à 23h00, par un spectacle de danse de Rama Vaidyanathan, accompagnée de son ensemble. Jeune artiste talentueuse, Rama Vaidyanathan s'est donnée corps et âme à une ancienne danse rituelle, la danse bharata natyam, qui consiste à danser les vieilles légendes mythologiques hindoues. Il s'ensuit une danse extrêmement évocatrice, à la limite du mime parfois, qui raconte de manière virtuose et évocatrice les aventures de Krishna , Shiva et des autres divinités du panthéon indien. Il faut souligner que Rama Vaidyanathan a eu le souci de faire partager le maximum de son art avec le public, dans la mesure où elle racontait les mythes en les mimant avant d'entamer chacune de ses danses, accompagnées par un flûtiste, un joueur de tabla et une chanteuse. Le spectacle était splendide, et c'était probablement la partie de la nuit indienne que j'ai préféré, très probablement en partie du fait que mon attention fatiguée a baissé pendant les deux autres spectacles.
La seconde partie de la nuit était consacrée à un concert de trois musiciens virtuoses d'Inde du nord, Debapriya Adhykary (chant khyal), Samanwaya Sarkar (sitar) et Madhurjya Barthakur (tabla, jugalbandi), qui dans la plus pure tradition hindustani ont improvisé sur un raga. Néanmoins, contrairement à l'habitude qui consiste à mettre en valeur un seul musicien en l'accompagnant de manière relativement discrète, le chanteur et le cithariste se sont ici partagé la vedette en dialoguant mélodiquement tout au long du concert, accompagnés par le joueur de tabla qui a également montré de quel bois il était fait vers la fin de la représentation. Trois musiciens virtuoses, pour un concert nettement plus contemplatif, mais tout aussi fascinant que le premier.
Le troisième concert, qui a commencé vers 1h30 du matin environ, s'est déroulé devant une assemblée plus éparse. Pourtant, il est très rare d'avoir l'occasion d'entendre un concert de shehnaï, le hautbois indien. Les frères Sanjeev & Ashwani Shankar, accompagnés d'un musicien occidental étudiant l'art du shehnaï en Inde ont pu nous faire découvrir cet instrument avec l'accompagnement traditionnel des tablas et de la tampura. Vous pouvez voir et entendre un extrait ici. Que dire sinon que, à 2h00 du matin, sous le chapiteau du festival, on se serait cru dans un temple lointain? En entendant cet instrument, j'ai compris pourquoi il avait tant servi à orner les rituels religieux: le son est empreint d'une telle emphase, d'une telle profondeur qu'il est particulièrement apte à donner une image, mobile et éternelle, du sacré.

Krishna, dieu de l'amour, accessoirement de la flûte et des bergers (origine Wikipedia).

Le lendemain matin, nouveau spectacle de Rama Vaidyanathan. Le spectacle avait lieu cette fois-ci au palais Briau, un improbable ensemble d'édifices, pour moitié en ruines, donnant sur la Loire au milieu d'un immense parc. L'ensemble, tout de brique mais imitant l'architecture des villas italiennes, avait autrefois été construit pour un grand industriel du chemin de fer du Second Empire. Dans l'entrée du palais transformée pour l'occasion en salon de danse oriental, on se serait cru dans le Salon de musique de Satyajit Ray. Les danses de Rama, ce matin, tournaient autour du dieu Krishna, grand flutiste s'il en est.
La danseuse nous a ainsi raconté une splendide lamentation aux oiseaux, où une femme amoureuse de Krishna, harangue les volatiles autour d'elle, la perruche, l'aigle, etc., en leur demandant de porter sa plainte au dieu pour qu'il vienne à lui. Jamais la mythologie de l'oiseau transport de l'âme vers les dieux ne m'a semblé aussi proche. Cela m'a rappelé une autre soirée, où d'autres histoires d'oiseaux nous avaient été contées. Décidément, je crois que j'aime les oiseaux autant que j'aime les arbres, surtout quand ils sont chantés, dansés, joués, racontés de cette merveilleuse manière.

Le livre au corps

2010-06-21T11:23:00.005+02:00

Cette semaine j'interviendrai au cours d'une des deux journées d'études organisée par Alain Milon et Marc Perelman (Paris 10) à l'INHA, journées d'études réunies sous le titre Le livre au corps.
C'est là le dernier volet d'un triptyque organisé autour de l'esthétique du livre; les deux premiers, Le Livre et ses espaces et L'Esthétique du livre, ont déjà été publiés par les presses de Paris Ouest.

Voilà le programme. J'interviens personnellement le jeudi en début d'après-midi. Avis aux amateurs...

JEUDI 24 JUIN 2010

- 10h00-10h30 : Accueil et présentation du colloque et de l'ouvrage L'Esthétique du livre aux presses universitaires de Paris Ouest par Alain Milon et Marc Perelman

APPROCHE PHENOMENOLOGIQUE DU LIVRE

- 10h30-11h00 : Le livre comme « objet investi d'esprit » : chair et sens du texte, Anne Coignard (CREA, Ecole polytechnique)

APPROCHE HISTORIQUE DU CORPS DE LIVRE

- 11h00-11h30 : La Femme livre : fragmentation du corps féminin dans les recueils de blasons anatomiques à la Renaissance, Irène Salas (EHESS, Paris)
- 11h30-12h00 : Discussion

- 14h00-14h30 : Les Reliures armoriées, métaphore corporelle du temps de Louis XVI, Peggy Manard (BNF)
- 14h30-15h00 : Les Trois Corps du livre : vocabulaire et mise en page du livre illustré au XIXe siècle, François Fièvre (Université de Tours)
- 15h00-15h30 : Discussion

CORPS VIVANT ET CORPS DE LIVRE

- 16h00-16h30 : Écriture des troubles alimentaires : du corps-livre au livre-corps, Karin Bernfeld (écrivain)
- 16h30-17h00 : Du journal intime au corps de la femme chorégraphe : une forme singulière de la créativité, Billana Vassileva-Fouilhoux (Université de Paris III)
- 17h00-17h30 : Ceci est mon livre : quelques stratégies opératoires du livre d'artiste au Québec, Danielle Blouin (Université du Quebec à Montréal)
- 17h30-18h : Discussion

VENDREDI 25 JUIN 2010

METAMORPHOSES DE LIVRE, METAMORPHOSES D'ECRITURE

- 10h-10h30 : Le livre de Mallarmé : Texture et performance, Peter Krilles (Université de Paris III)
- 10h30-11h : Le corporel et le incorporel chez Henri Michaux (« Par des traits »), Serge Chamchinov (chercheur, artiste peintre, concepteur de livres d'artiste)
- 11h30-12h00 : Autour de Poésie pour pouvoir de Michaux, Lorraine Dumenil (Paris VII)
- 12h00-12h30 : Discussion

- 14h00-14h30 : Pétrole de Pasolini : corps du verbe, Marie-Françoise Buresi-Collard (Université Paris I)

DISPARITION DU CORPS DU LIVRE

- 15h00-15h30 : Le Livre, un corps luminescent : modernisme et dématérialisation graphi-que de l'imprimé, Victor Guegan
- 15h30-16h00 : Artiste chirurgien du livre, Anna Rykunova (EHESS, Université Humboldt, Berlin)
- 16h00-16h30 : DISCUSSION et SYNTHESE

Colloque organisé par Alain Milon et Marc Perelman, Professeurs à l'Université de Paris Ouest-Nanterre La Défense

Premières Pierres, une écologie de la littérature

2010-05-11T21:58:00.006+02:00

Dernièrement je suis tombé sur les deux nouveautés d'un petit éditeur qui est à garder en tête, de même que Finitude, Héros-Limite et bien d'autres. Dans la forêt de Bavière est un récit autobiographique d'Adalbert Stifter, un écrivain autrichien du second (voire du troisième) romantisme, qui semble développer un sens aigu de la nature, dans la lignée de Friedrich et de l'ensemble du courant romantique allemand (et anglais).

Mais le livre sur lequel j'ai bondi est celui de William Gilpin, première traduction en français d'un essai peu connu de l'inventeur anglais de la notion esthétique de pittoresque, et qui nous livre ici ses réflexions sur la beauté du paysage naturel et la nécessité de le préserver à une époque, la fin du 18e siècle, où les effets de la révolution industrielle commencent pourtant à peine à se faire sentir. Comme si la notion de patrimoine naturel avait émergé à peu près en même temps que celle de patrimoine artistique (voir Dominique Poulot, Musée, Nation, Patrimoine, Gallimard). Décidément, cette fin du 18e siècle est une période absolument passionnante, et notre époque a toujours des leçons à tirer des idées développées durant la période romantique, qui avait dans bien des cas essayé de penser une conciliation possible entre les derniers idéaux humanistes hérités des Lumières et l'émergence de la société industrielle moderne.

Premières Pierres est donc un éditeur à surveiller de près, qui produit peu mais adopte une ligne éditoriale visiblement aussi exigeante qu'étroite, creusant le sillon d'une archéologie littéraire de l'écologie et du sentiment moderne de la nature, du romantisme jusqu'à nos jours. Dans leur catalogue, Goethe, Thoreau, John Burroughs, Carl Gustav Carus: toute une caisse de résonance de littérature «de plein air» qui apporte une bouffée d'air frais dans le paysage plus qu'asphyxié de l'édition contemporaine.

Le conte et l'oiseau, une histoire naturelle

2010-05-06T11:33:00.009+02:00

Ce fut un grand moment d'échange et de bouillonnement d'idées que la rencontre avec Fabienne Raphoz à la librairie Le Livre, à Tours, ce 23 avril dernier. Fabienne Raphoz, par ailleurs éditrice chez José Corti et auteur de livres de poésie chez Héros-Limite, présentait une anthologie de sa composition autour de la présence de l'oiseau dans les contes... et dans les contes populaires de tradition orale en particulier. Je renvoie à la page consacrée à l'ouvrage sur le site des éditions Corti pour une plus ample description de ce projet passionnant qui a consisté à débusquer des oiseaux — tous types d'oiseaux, imaginaires (l'oiseau de feu) et réels, génériques («un oiseau» dont l'espèce n'est pas nommée) et spécifiques (les corbeaux, cygnes, martinets, rossignols, poules, etc.) — dans les contes de tradition orale recueillis dans le monde entier, et parmi quelques mythes des «nations premières».
Les textes sont rangés dans l'ordre de la classification Aarne-Thompson, ordre canonique pour les folkloristes qui permet de classifier les contes en fonction de leur proximité avec un «conte-type», entité abstraite qui n'a pas pour autre fonction épistomologique que d'autoriser le rapprochement entre différentes versions d'un même conte.

Quelques illustrations d'Ianna Andréadis pour l'Aile bleue des contes, photographie que j'ai empruntée à son site internet.

L'ouvrage est magnifiquement illustrés de dessins en silhouettes d'Ianna Andréadis, artiste peintre qui a magnifiquement représenté les oiseaux selon leurs espèces, dans une sobriété de noir et de blanc qui ne peut que rappeler le noir de la typographie sur le blanc du papier. Mallarmé n'avait-il pas comparé la poésie à la grâce du vol d'un oiseau dans le ciel?

Les illustrations d'Ianna Andréadis sont, elles, classées selon un autre ordre canonique, celui du Handbook of the Birds of the World (HBW), qui classe les oiseaux selon leur espèce et leur famille, dans la plus stricte tradition taxinomique de la biologie animale, nommée du temps de Linné «histoire naturelle».

L'improbable Froba, ou oiseau bleu des contes, inventé par Ianna Andrédais pour l'occasion

Cette coexistence de deux classifications au sein d'un même ouvrage, celle d'Aarne-Thompson pour les textes, et celle du HBW pour les images, m'a laissé songeur. Il m'a semblé que nous avions comme deux histoires naturelles qui se rencontraient et s'entrelaçaient, celle des textes et celle des images, celle des contes et celle des oiseaux. Le conte, dont personne n'a pu jusqu'ici décrire l'origine et raconter l'apparition, ne serait-il pas au sens strict une histoire naturelle, au sens où les Grimm parlaient, justement à leur propos, de «poésie de nature» ? Sans vouloir dire que les contes sont nés de la nature comme les oiseaux (ils restent des objets de culture), le rapprochement entre les deux ordres, ici magnifiquement entrelacés, méritait d'être souligné. Splendide et magnifique rencontre, en tout cas, et absolument poétique, de l'art de raconter des histoires et de l'animal au chant divin qui parcourt l'azur des cieux.

R.I.P.

2010-05-02T17:06:00.003+02:00

Je ne l'ai appris qu'il y a peu, mais Peter Steele, le charismatique et talentueux chanteur de Type O Negative, est mort le 14 avril dernier. October Rust (1996) restera l'un de mes albums fétiche, et Type O Negative l'un des principaux groupes qui ont contribué à la renaissance du rock gothique à la fin des années 1990.

Tour d'horizon des arts graphiques

2010-03-25T16:04:00.003+01:00

Au cours de mes pérégrinations sur la toile afin d'alimenter en images mes derniers cours de cette année sur la bande dessinée et le graphisme, j'ai eu l'occasion de découvrir des tas de choses formidables:
Töpfferiana, un site tenu par Antoine Sausverd, et qui est consacré à la bande dessinée du 19e siècle. Les articles sont très intelligents, et ne se contentent pas d'aligner, comme le fait (trop souvent) La Boite à images de monsieur K., quelques repros avec des commentaires qui n'engagent que leur auteur: un véritable souci de recherche historique et méthodologique, et une véritable compréhension du médium sont les grands atouts des analyses d'Antoine Sausverd. On sent qu'il a dû passer par la case université...
A Journey round my skull, qui est un blog tenu par un passionné de graphisme et de beaux livres, et qui, plutôt axé 20e siècle, présente des œuvres aussi belles qu'inattendues.
David Apatoff tient le blog bien nommé Illustration Art, et a des analyses tout à fait intéressantes, des analyses de praticien puisqu'il est lui-même illustrateur. Du coup, il insiste souvent sur des détails que l'historien de l'art a tendance à survoler.
Enfin, last but least, le blog du Petit Paquis, qui à côté des trois premiers fait pâle figure, mais est tout de même assez intéressant. Trop souvent ses billets sont de simples agrégats d'images assortis d'un simple commentaire élogieux, mais on lui pardonne: tenir un blog est chronophage, l'auteur de ces lignes en est bien conscient, et il n'est pas toujours possible de réunir le temps (ni les moyens), comme arrive à le faire Antoine Sausverd par exemple, de donner l'équivalent de petits articles.

L'autre voyage d'Ulysse

2010-03-23T21:26:00.005+01:00

Le livre était passé à peu près inaperçu l'automne dernier, lors de sa parution. C'est aujourd'hui sur France Culture, dans la seconde partie de l'émission A plus d'un titre, que l'on peut écouter Evanghélia Stead présenter son anthologie qui rassemble, chez Jérôme Millon, une quinzaine de textes écrivant le second voyage d'Ulysse, que Tirésias lui avait prédit dans l'Odyssée d'Homère. A partir à la fois d'une relecture d'Homère et d'une relecture de la lecture qu'en fait Dante, Tennyson, Borges, Cavafis et bien d'autres ne se contentent pas de réécrire l'œuvre originelle, mais la prolongent là où elle reste ouverte. Ulysse n'est donc pas l'homme d'un seul voyage: à nous de nous laisser happer par ses autres périples, aussi poétiques qu'inattendus.

Luis Francesco Arena

2010-03-22T11:08:00.005+01:00

Loin de mes habitudes de musique violente et vociférante comme des références savantes de Continuum, je voudrais ici signaler une belle découverte musicale: Luis Francesco Arena. Dans un registre de pop-folk intimiste où la douceur des mélodies a pour compagnons des arrangements d'une pertinence et d'une sobriété sans faille, et des textes d'une vigueur poétique étonnante pour un compositeur d'origine française, les compositions de LFA méritent vraiment le détour.

L'orchestre est essentiellement constitué de Pierre-Louis à la guitare et au chant, un tourangeau d'adoption que j'ai eu l'heur et l'honneur de rencontrer à plusieurs reprises, mais ses dernières compositions sont accompagnées de violoncelle, piano, batterie, etc., selon les nécessités. Dans un genre de song-writing «à l'anglo-saxonne», je trouve que ce petit Français se défend plutôt très bien. Il fait des concerts un peu partout en ce moment pour la sortie de son prochain album en avril: allez le voir et l'entendre, vous me direz ce que vous en pensez.

Emily Dickinson

2010-03-02T10:01:00.003+01:00

Emily Dickinson, daguerréotype, c. 1845.

Assez court, mais très intéressant entretien avec Françoise Delphy pour sa traduction des Poésies complètes d'Emily Dickinson (Flammarion, 2009). C'était samedi dernier dans l'émission "Ça rime à quoi", sur France Culture, mais vous pouvez encore le podcaster ces prochains jours. Les lectures de poésies par Tiffany Stern étaient splendides (surtout en anglais, en français elles manquaient un peu d'aisance...).

Si Claire Malroux avait déjà entrepris le travail de longue haleine consistant à traduire la quasi intégralité des écrits de la célèbre poétesse américaine chez José Corti, cette traduction de Françoise Delphy, fruit d'un long et patient travail d'une dizaine d'années, vient proposer une autre version - ni plus juste, ni plus infidèle - du texte de Dickinson. En matière de poésie, tant qu'on évite le contresens, il n'y a pas de mauvaise traduction, il n'y a que des restitutions, l'une complétant les lacunes de l'autre, chacune proposant une lecture singulière de l'œuvre d'origine. D'où la nécessité absolue, en poésie, des éditions bilingues, ce qui est le cas de l'édition de Claire Malroux comme de celle de Françoise Delphy, pour apprécier le texte en sa langue première, et pour en faciliter la lecture également. La récente traduction d'un choix conséquent de poèmes de Ted Hughes par Jacques Darras et Valérie Rouzeau, l'année dernière chez Gallimard, dans une édition monolingue, est pour cette même raison, du point de vue éditorial, un non-sens. Ted Hughes attendra, chaque chose en son temps...

Arts graphiques

2010-02-15T21:09:00.003+01:00

Une fois de temps en temps n'est pas coutume : un peu de publicité pour un blog passionant de bibliothécaires de la bibliothèque de l'université de Princeton, consacré aux arts graphiques et autres arts du livre et de l'estampe... je trouve les billets mieux rédigés que sur Bibliodyssey, et les images sont de première main.

Je suis tombé sur ce blog en faisant une recherche sur les illustrations de Julia Margaret Cameron pour les poèmes de Tennyson, et j'ai enfin pu voir des photos des clichés de la photographe en contexte, avec leurs marges bleutées et un exemple des poèmes calligraphiés par l'artiste sur pierre lithographique... Merci !

Dans le même registre bibliophilique, je signale pour ceux qui ne le connaissent pas déjà le blog de Gallica, la bibliothèque numérique de la BNF. Ils viennent de faire un billet à propos du projet Mame auquel je participe.

Et in Arcadia ego

2010-02-12T18:36:00.004+01:00

Le Temps des Grâces, de Dominique Marchais

Lundi dernier, je lisais cet article dans le Monde : Pour la première fois depuis 150 ans, la forêt ne gagne plus de terrain en France. La raison principale en est qu'un terrain vide consacré à la culture prend de la valeur avec la construction, valeur qui peut en être multipliée par 50, voire 300 en région parisienne. Par un heureux hasard, un film exemplaire est sorti cette semaine sur un sujet connexe : "Le Temps des Grâces", ou comment la France a saboté plus de 2000 ans d'héritage agricole en l'espace de 50 ans . Un documentaire efficace qui dresse le portrait effrayant de la course aux gains de productivité agricole, et la mort programmée d'une richesse ancestrale inestimable. Il ne s'agit pas du tout d'un documentaire "artistique", comme Raymond Depardon avec sa série des Profils Paysans, mais bien d'une démonstration classique, avec paroles de paysans et discours d'experts, et même quelques interventions lyriques de Pierre Bergounioux, qui permet de comprendre comment on en est arrivé là, et comment on peut s'en sortir - ou non. Si le film n'évoque pas directement le sujet traité par Le Monde, il en est question en filigrane, de manière très éclairante. Vous comprendrez le titre de ce billet en allant voir le film, que je vous conseille vivement.

La Guillette

2010-02-01T18:40:00.005+01:00

La maison de Maupassant à Etretat, que l'auteur à lui-même baptisée fort à propos "La Guillette", ne sera pas un musée. Toujours annoncée en vente sur le site, elle vient en fait d'être vendue à un particulier pour 600.000 euros, la municipalité traînant des pieds depuis plusieurs mois pour en faire l'acquisition. C'est dommage, car elle aurait pu rejoindre le circuit de la Route des Ecrivains, qui regroupe les maisons, de Mallarmé, Chateaubriand, Maeterlinck, Aragon etc.

Dans la même veine, c'est le Musée Tourguéniev à Bougival qui est en danger, une partie du parc étant convoité par des promoteurs immobiliers, avec l'appui des décideurs locaux. Vraisemblablement le raffermissement de l'identité française peut très bien se passer de la valorisation de son patrimoine national.

Bloomsbury

2010-01-27T09:46:00.005+01:00

Une exposition sur le très intéressant groupe de Bloomsbury a lieu en ce moment à Roubaix, jusqu'au 28 février, au musée La Piscine. Le Bloomsbury group est un groupe d'intellectuels et d'artistes qui, au tout début du 20e siècle, ont vécu réunis ensemble autour du square de Bloomsbury square, à Londres, du côté du British Museum. Je passe l'histoire du groupe, (voir aussi sur le site de la Tate) assez complexe dans la mesure où liens amoureux et familiaux se sont régulièrement ajoutés aux affinités intellectuelles entre les deux sœurs à l'origine du groupe, Virginia Woolf et Vanessa Bell (l'une écrivain et l'autre peintre), les deux cousins Lytton Strachey et Duncan Grant (le premier homme de lettres et le second peintre), ou encore Roger Fry, peintre et critique d'art, l'écrivain E. M. Forster et l'économiste John Maynard Keynes, pour n'en citer que quelques-uns parmi les plus célèbres.

Toutes ces personnes étaient issues de la meilleure société bourgeoise, voire aristocratique, et ont vécu dans le quartier de Bloomsbury, alors peu huppé contrairement à celui de Kensington, dans une atmosphère d'effervescence intellectuelle et de liberté morale. Leurs moeurs, bien que peu répréhensibles, faisaient scandale: on supportait tout simplement mal que deux femmes célibataires telles que Virginia (future épouse Woolf) et Vanessa (future épouse Bell) Stephen vivent de manière indépendante au milieu d'artistes homosexuels, et qu'elles soient susceptibles d'un avis personnel et d'ambitions autres que celle d'être une bonne épouse et une bonne mère. Les histoires d'amour «en triangle» de différents membres du groupe ont par ailleurs fait décrire ce mouvement ainsi : «It is a circle of friends who live in a square and love in triangle.»

Roger Fry, Vanessa Bell, 1916. (source wikipedia)

L'exposition de Roubaix, que je n'ai pas eu l'occasion de voir mais dont j'ai eu la chance d'écouter la description sur un podcast de France culture qui n'est plus disponible (ne le cherchez plus), se consacre à l'aspect proprement artistique des créations du groupe, en général passé sous silence du fait d'une mise en avant des grandes figures littéraires (Woolf et Forster) ou intellectuelles (Keynes) du groupe. L'aspect particulièrement intéressant de cette exposition est qu'elle semble notamment mettre en valeur les arts décoratifs: à la manière anglaise, et dans la tradition des Arts and Crafts (même si le Bloomsbury Group se détache du mouvement piloté par William Morris sur de nombreux points), les innovations françaises du post-impressionnisme et du fauvisme sont revues et réexploitées d'une part dans l'espace domestique de tous ces artistes, et d'autre part concrétisées dans les Omega Workshops menés par Roger Fry, qui joue ici un rôle à la fois de passeur de l'art moderne français et de tête pensante en ce qui concerne cette entreprise particulière des ateliers d'art décoratif.

Roger Fry, autoportrait. (source wikipedia)

Ce groupe d'artistes est passionnant non seulement parce qu'on y retrouve beaucoup des grands noms de la modernité anglaise, que ce soit en art ou en littérature, et même en économie (Keynes), mais surtout parce qu'il est une application particulièrement frappante du principe romantique selon lequel l'art doit fusionner avec la vie. Toute la vie de ces artistes était orientée vers l'art, et ils n'ont cessé de travailler, qui à écrire, qui à peindre, pour transformer leur cadre de vie et faire évoluer leur pensée. Loin de l'image d'un petit groupe de gens bien nés qui n'ont pas besoin de travailler pour vivre et qui passent leur temps à discuter et à échanger des points de vue utopiques dans des chaises longues, il faut comprendre ce groupe comme un atelier où ont travaillé ensemble différentes personnalités éprises de liberté intellectuelle et morale, et duquel ont pu émerger les œuvres majeures que l'on sait.

Lytton Strachey et Virginia Woolf (source wikipedia).

Bright Star

2010-01-16T11:21:00.005+01:00

Suprême ravissement du dernier film de Jane Campion qui m'interdit d'en parler plus avant.

I had such a dream last night.
I was floating above the trees, with my lips connected with those of a beautiful figure.

Allez le voir, c'est tout.

Le métier de correcteur

2010-01-10T20:18:00.005+01:00

La chose est suffisamment peu courante pour être signalée: un article récent sur le métier de correcteur (qui est, entre autres, celui de votre serviteur), article qui explique assez bien pourquoi le métier est en crise malgré son importance centrale dans le monde de l'édition.

Seuls bémols:

1. L'article met l'accent sur les publications littéraires, qui ne sont qu'une partie de la production éditoriale échue aux correcteurs... mais il est vrai que du fait de la notoriété de l'écrivain de littérature, dont le style est censé être inaliénable, l'exemple de la correction littéraire est particulièrement frappant: le métier de correcteur y apparait d'autant plus invisible que la place de l'auteur y est prépondérante.

2. La conclusion sur "la faute à Internet et aux portables" est tout à fait approximative, la réduction du nombre de corrections accordées à un manuscrit étant le plus souvent la conséquence de la soumission du monde de l'édition à une échelle de rentabilité qui n'est pas la sienne... mais celle de Dassault, Bouygues, Lagardère, Seillère et autres grands possesseurs de groupes d'entreprises qui rachètent d'année en année les maisons d'édition et les groupes de presse, et leur font par conséquent subir des taux de rentabilité auxquels ils n'ont pas l'habitude d'être soumis. "La faute à Internet et aux portables", c'est tout à fait vrai pour la presse, ça l'est beaucoup moins pour l'édition, qui était jusque dans les années 1990 un secteur tout à fait "rentable", mais dont l'appropriation par les grands groupes financiers dénature les objectifs financiers et les logiques de profit qui lui étaient jusqu'ici habituelles — dénaturation qui se répercute naturellement sur les stratégies éditoriales, et par suite sur la qualité des livres publiés. Le problème actuel des maisons d'édition au regard du marché, ce n'est pas tant qu'elles ne soient pas rentables, mais qu'elles ne le soient pas assez.

Merci à Langue sauce piquante d'avoir signalé cet article.

David vs Sibylle

2010-01-07T15:37:00.004+01:00

Demain soir, salle Pleyel, aura lieu un petit évènement : la création du Requiem composé par Thierry Lancino, sur un livret de Pascal Quignard. L'oeuvre est basée sur la confrontation de deux forces : David, qui "aspire à l'éternité" ; et la Sibylle de Cumes, qui "réclame le néant". Pourquoi pas. Le concert sera retransmis en direct sur France Musique, voilà qui mérite d'être signalé !

L'autre

2009-12-23T16:43:00.009+01:00

La couverture du dvd alive de Meshuggah, dont la sortie est prévue en février prochain, est très réussie... elle reprend et détourne de manière à la fois habile et amusante le design de l'affiche du premier Alien réalisé par Ridley Scott et sorti l'année de ma naissance, en 1979.

Trente ans après, et alors que les films de science-fiction continuent à interroger de manière plus ou moins réussie l'altérité humaine, la réutilisation de l'affiche cinématographique par le groupe de death métal suédois est intéressante de deux points de vue. D'une part elle fait allusion à une icône de la contre-culture, à travers ce qu'on peut véritablement appeler un "clin-d'oeil", un signe de connivence culturelle avec son public d'adolescents et de jeunes adultes bercés par la musique alternative et les films de série B d'origine américaine. Le détournement facétieux de l'image originelle est de plus caractéristique de l'esprit de la formation qui, malgré la teneur réputée difficile de son message musical, est connue pour son sens de l'auto-dérision: en témoigne même la reprise de la phrase d'appel originale, “In space no one can hear you”, avec l'ajout précisant “unless you scream”, et qui fait allusion au faciès hurlant de Jens Kidman au centre de l'image, en lieu et place de l'œuf en éclosion de la créature extra-terrestre. Ces deux aspects alimentent l'aspect proprement amusant de la citation iconographique.

Mais d'autre part, et de manière plus profonde, la reprise d'une icône de la contre-culture est aussi l'occasion d'établir un lien symbolique important avec l'œuvre première, celui de l'altérité. Si une constante de la recherche musicale de Meshuggah est la recherche de la dissymétrie rythmique, une constante de son univers symbolique, perceptible dans son imagerie mais surtout dans les paroles des morceaux rédigées par Tomas Haake, le batteur du groupe, est la schizophrénie. Le nom du groupe même, “meshuggah” qui signifie “fou” en yiddish, témoigne de l'intérêt du groupe pour la déréliction des mécanismes de la psyché humaine. Cliniquement, la schizophrénie est généralement définie comme une désagrégation de la personnalité, de la psyché humaine qui, en état normal, fonctionne de manière relativement unitaire, ce qui permet à l'individu de se construire et de maintenir son identité psychique. La schizophrénie, donc, sans être un équivalent à proprement parler d'un “dédoublement de personnalité”, introduit en tout cas la multiplicité là où il y avait unité, elle désagrège et fragmente ce qui était un. Ce qui fait que l'un devient étranger à lui-même, il se confronte à sa propre altérité. Un des symptômes généralement invoqués pour caractériser l'état schizophrène est la sensation d'être étranger à son propre corps.

“I'm in the stranger: me (lost in corporeal inanity), the user of my face”
(Meshuggah, “Concatenation”, in Chaosphere, 1998)

On assiste donc, à travers ce qui pourrait sembler une simple citation culturelle destinée à mieux “cibler” la clientèle d'un point de vue marketing, à une réappropriation d'un symbole, qui s'effectue selon la modalité d'une intériorisation de ce que représentait la race de l'Alien: l'autre de l'homme. L'autre extérieur à l'homme, l'autre race, devient l'étranger intérieur à l'homme même. La peur se mue en folie. Meshuggah psychologise ce qui était en 1979 vécu sur le mode du récit semi-fantastique, semi-épique, avec toutes les résonances post-coloniales que l'on peut y trouver. Avec Meshuggah, l'alien devient aliéné, l'œuf extra-humain de Ridley Scott devient le fou hurlant d'une humanité qui se cherche en elle-même mais ne se trouve pas.

La maison Max Ernst

2009-12-01T16:27:00.003+01:00

Max Ernst a vécu à Huismes, près de Chinon, de 1955 à 1964, avec son épouse Dorothea Tanning. C'est Dominique Marchès, un des co-commissaires de la "Force de l'Art" 2006, qui habite aujourd'hui dans la maison du peintre et sculpteur allemand. En marge de l'exposition Max Ernst au Musée des Beaux-Arts de Tours, la maison accueille en ce moment des frottages monumentaux de Richard Fauguet. Comme quoi, même au fin fond de la campagne perdue, il y a toujours une bout de vie culturelle et artistique.

Jean Rouch à la BNF

2009-11-07T15:35:00.006+01:00

Rina Sherman - Que la danse continue - 2007 - 78'

J'avais dit que j'en reparlerais. Cinq ans après sa disparition, l'héritage de Jean Rouch prend corps. A l'occasion du mois du film documentaire, la BNF, les archives françaises du film du CNC et le Comité du Film Ethnographique se sont associés pour présenter une grande rétrospective consacrée au "sorcier blanc de l'Afrique". L'évènement a commencé le 3 novembre et se poursuivra jusqu'au 3 décembre, avec notamment deux rendez-vous importants : un colloque international du 14 au 20 novembre, et surtout des séances spéciales de projection les 14 et 15 novembre.

Jean Rouch - La Chasse au lion - 1965 - 80'

J'ai eu l'occasion de voir trois ou quatre de ses films dans le coffret que les Editions Montparnasse lui ont consacré, dont Les Maîtres fous, Moi, un noir, ou bien La Chasse au Lion , et je dois dire qu'ils ont laissé sur moi une très forte impression. Si Lévi-Strauss, qui vient de nous quitter, a choisi le Brésil comme terrain de prédilection, Jean Rouch a investi l'Afrique, et il en a tiré un oeuvre hors du commun, à la croisée de l'ethnographie et du cinéma. Et comme il a pénétré l'âme africaine, comme il a saisi l'expérience de l'homme face à l'homme, de la nature en l'homme, et de l'homme dans la nature ! Une œuvre pour l'éternité.

Dans un registre tout-à-fait différent, je profite de ce billet pour évoquer rapidement la sortie de l'album d' Héloïse Combes, une chanteuse que j'ai découverte sur myspace (elle a aussi un blog de dessin). En fait son album ne sort que dans un mois apparemment, mais il est déjà disponible en la contactant sur son myspace. C'est tout-à-fait charmant, elle fait de la chanson pour enfants, accompagnée par des instruments anciens... une bonne manière d'amener les petits enfants à la musique avec goût et bonne humeur, il me semble. Un tout petit évènement à côté de Jean Rouch, mais je voulais en parler car je crois que cette initiative "baroque-enfants" est judicieuse. A vous de voir !

Petit cours sur Daumier

2009-10-30T20:46:00.006+01:00

Aujourd'hui, c'était cours sur la lithographie. La dernière partie de mon cours portait sur Daumier, et je voulais aborder deux images en particulier: Gargantua et La Rue Transnonain. Deux images classiques, très connues, et caractéristiques de la caricature politique à l'époque de la monarchie de Juillet. Mais, je ne l'ai pas fait exprès, les rapprochements avec la situation actuelle se sont faits d'eux-mêmes.

Dans la première estampe, Gargantua, Daumier représente Louis-Philippe en ogre qui dévore les écus arrachés au peuple miséreux, et qui sont ensuite transformés en médailles et décorations pour les proches du pouvoir qui se disputent, sous la chaise percée de Louis-Philippe, les déjections du monarque. Daumier fut condamné pour cette estampe: 6 mois de prison pour incitation à la haine envers le monarque. Le rapprochement avec aujourd'hui où l'incitation à la haine contre le monarque est une constante épée de Damoclès au-dessus de la liberté de la presse s'est fait tout naturellement.

Ensuite, La Rue Transnonain, qui représente avec sobriété les conséquences d'une bavure policière qui eut lieu le 14 avril 1834 au cours d'une émeute populaire déclenchée par la loi liberticide contre l'association. Enfin, je n'ai pu m'empêcher de rappeler que c'est sous Louis-Philippe qu'a été réalisé le premier musée d'histoire de France célébrant la gloire nationale, à Versailles, et donc de souligner un autre point de convergence...

Oui, Daumier est d'actualité, et il n'est pas inutile de parler de vieilleries du XIXe siècle. Mais non, le Louis-Philippe d'aujourd'hui n'est pas une poire.

Dans les coulisses de la création

2009-10-18T14:28:00.008+02:00

Je viens d'écouter la passionnante entrevue qu'Elena Balzamo a accordé à Antoine Perraud pour son émission Tire la langue. Universitaire polyglotte spécialisée dans les contes scandinaves, traductrice et essayiste, Elena Balzamo s'est lancée dans un projet qui lui a valu la bourse jean Gattegno du Centre national du livre: la traduction en trois volumes d'un choix de lettres d'August Strindberg, dont le premier volume vient de sortir chez Zulma.

Je connaissais Elena Balzamo pour ses traductions de contes populaires et littéraires scandinaves, également pour son travail sur la Carta Marina d'Olaus Magnus, mais elle a aussi œuvré dans des domaines moins "merveilleux", comme la traduction du russe de poèmes du goulag ou encore ce travail sur Strindberg. La correspondance d'un écrivain permet sinon d'avoir accès aux différentes étapes de la création de son œuvre, et donc de pénétrer les mécanismes concrets de la création littéraire, du moins d'autoriser une incursion dans la vie personnelle, parfois quotidienne, parfois extraordinaire, où celle-ci a pris sa source. Sans toujours donner d'indications précises sur la génétique des œuvres, elle permet sans doute de mieux en comprendre la genèse: elle donne ici en effet un accès privilégié aux névroses, aux bouillonnements intellectuels et sensibles, à la vie intérieure de l'auteur d'Inferno.

Dans le même registre, il est important de noter la récente publication d'une nouvelle édition du Journal de Delacroix, qui n'était jusqu'à ce jour disponible que dans une édition établie. de manière approximative. Michèle Hannoosh, la chercheuse américaine qui s'est occupée de ce travail titanesque, a pris le soin d'ajouter à son édition des inédits, qui permettent d'augmenter encore la taille des écrits du peintre. Delacroix, fidèle en cela à son époque empreinte du dialogue entre les arts, avait, tel Girodet dans sa jeunesse, envisagé pendant un moment une carrière d'écrivain en lieu et place de celle de peintre, et était pétri de littérature. Le journal de Delacroix était déjà passionnant dans son édition antérieure: il permettait de pénétrer dans les réflexions du peintre à propos de son œuvre et de celle de ses contemporains, mais aussi à propos de la littérature et plus généralement de la société de son temps. Coulisses de la création personnelle, mais aussi formidable témoignage sur la période romantique.

Màj 24-10-09: normalement Michèle Hannoosh devrait venir présenter son édition du Journal de Delacroix le samedi 21 novembre à la librairie Le Livre, à Tours. 80 euros, ça fait un beau cadeau pour les fêtes...

Barbe Bleue sur Arte

2009-10-02T14:45:00.003+02:00

Cranach l'Ancien - Judith et Holopherne

Mardi prochain, Arte diffuse le téléfilm Barbe Bleue réalisé par Catherine Breillat. Pour l'anecdote, c'est le groupe corrézien pseudo-médiéval Sikinis - dont on peut écouter la musique ici (la Danse des Satyres me fait beaucoup rire personnellement) - qui signe la bande-son. Télérama a l'air assez emballé par le casting et les costumes. Le personnage de Barbe bleue a déjà été incarné plusieurs fois au cinéma (Gary Cooper, Richard Burton, Pierre Brasseur...), et il peut être intéressant d'en voir une nouvelle version. Les puristes auront peut-être des allergies, et retourneront en courant relire les Contes de ma mère l'Oye. Pour ma part je resterai probablement fidèle à mon cher Bartok.

Respiration

2009-09-21T10:27:00.007+02:00

Préparation de cours pour l'université, correction de livres pour les éditeurs, fin de mon contrat pour le musée Rabelais, en ce moment je suis en apnée.

Burne-Jones, le Roi Cophetua

Hier soir, entre 20h et 22h sur France Culture, une bouffée d'air : une splendide création radiophonique de la pièce de théâtre de Julien Gracq, Le Roi Pêcheur. Le texte de Gracq est éblouissant, même si je comprends qu'il n'ait pas connu le succès à l'époque de sa première création, en 1949. L'oeuvre est relativement difficile, et la trame narrative est limitée, au profit d'un réseau de symboles qui demande une grande attention si l'on veut percer à jour la dialectique hégelienne qui se devine sous une apparence de mythe arthurien teinté de wagnérisme. La pièce n'est en cela pas sans rappeler les drames symbolistes de Maeterlinck ou de Pessoa : elle est toute empreinte de mystère, et manie les images plutôt que les actions, les symboles plutôt que les postures psychologiques, les attentes plutôt que les intrigues.

La première mise en scène n'ayant eu aucun succès, malgré les décors de Léonor Fini et l'interprétation de Maria Casarès et de Jean-Pierre Mocky, je me demande ce qu'une mise en scène moderne pourrait faire de cette pièce. Laurence Arpi en a assez récemment proposé une interprétation, qui s'apparente visiblement davantage à une lecture, avec un texte adapté, qu'à une mise en scène théâtrale classique. Certaines pièces, d'Ibsen ou de Yeats, acceptent difficilement une mise en scène. La pièce de Gracq fait partie de ce théâtre-là, qui est celui des mots plus que celui de la représentation.

Pour aller plus loin

La Fabrique des Images

2009-09-11T14:51:00.008+02:00

Philippe Descola

Le 16 février 2010 commencera la troisième exposition anthropologique au Musée du Quai Branly (détail ici, page 7). C'est Philippe Descola, spécialiste d'anthropologie de la figuration et professeur au Collège de France, qui en est le commissaire d'exposition. 150 oeuvres seront présentées selon les 4 modes d'identification au monde théorisés par Descola dans son dernier ouvrage Par-delà nature et culture.

Descola postule qu'il y a "différentes façons de distribuer des qualités aux existants [éléments du monde]", c'est-à-dire différentes façon de leur imputer "une physicalité et une intériorité analogues ou dissemblables à celle dont tout humain fait l'expérience".

Il distingue 4 formes :

- l'animisme : c'est "la généralisation aux non-humains d'une intériorité de type humain combinée à la discontinuité des physicalités corporelles".
Opposé
- le naturalisme : "Ce n'est pas par leur corps mais par leur esprit, que les humains se différencient des non-humains".

- le totémisme : "L'identification totémique est fondée sur le partage, au sein d'une classe d'existants regroupant des humains et diverses sortes de non-humains, d'un ensemble limitatif de qualités physiques et morales que l'entité éponyme est réputée incarner au plus haut degré".
Opposé
- l'analogisme : "L'identification analogique repose sur la reconnaissance d'une discontinuité générale des intériorités et des physicalités aboutissant à un monde peuplé de singularités". Il convient ensuite de trouver des correspondances stables.

Cette exposition figurative montrera des masques, sculptures, et tableaux de diverses origines, faisant se croiser les inuits, les aborigènes, les chinois mais aussi les maîtres flamands, sous un regard anthropologique. En bref, une exposition qui promet d'être passionnante !

Pour lire Philippe Descola
- sur la théorie de la Fabrique des images, voir ici.
- sur l'anthropologie de la nature et la figuration animiste, voir là.

Unholy

2009-09-02T16:20:00.006+02:00

Frédérick Martin est un compositeur français né en 1958. Il a été pensionnaire à la Villa Médicis et a suivi le cursus informatique de l'ircam. Passionné de musique de la Renaissance, il aime également la musique de ses contemporains Lachenmann, Grisey ou Ferneyhough. Son catalogue comporte des oeuvres pour orchestre, des concertos, et d'autres pièces, commandes d'Etat ou de festivals. Certaines lui ont valu l'admiration auprès de ses pairs, notamment Bruno Mantovani et Hughes Dufourt.

Contre toute attente, le même Frédérick Martin s'avère être un fan de black metal. Antaeus et Darkthrone figurent dans ses disques de chevet.

"Le black est la musique du désespoir comme tel et c'est pour ça que je l'aime", nous dit-il.

Son ouvrage Eunolie est paru en 2004 aux éditions Musica Falsa.
Bon voyage en enfer !

Les expos que je n'ai pas pu voir cet été

2009-08-28T15:10:00.005+02:00

Mais que je conseille fortement d'aller voir si l'occasion vous en est donnée.

Au premier chef, Max Ernst à Orsay. Je regrette vraiment de n'avoir pu faire un saut à Paris cet été pour cette exposition consacrée aux superbes collages de cet artiste surréaliste, qui réutilise l'imagerie populaire du XIXe siècle dans des compositions tout à fait saugrenues et riches de sens. Je crois que j'en serai réduit à consulter l'excellent ouvrage de Werner Spies sur le sujet.

Ensuite, en Normandie, un ensemble d'expositions sur la Normandie pittoresque. La notion esthétique de pittoresque a été inventée au cours du XVIIIe siècle, et a connu ses plus belles applications à l'époque romantique, notamment avec le monument lithographique du baron Taylor, la série de livres illustrés Voyages pittoresques et romantiques dans l'ancienne France.
Trois expositions, à Rouen, au Havre, à Caen, sont consacrées respectivement à la Normandie romantique (celle qui m'intéresse personnellement le plus), à la Normandie monumentale (consacrée au livre illustré d'héliogravures d'A. G. Lemâle, La Normandie pittoresque et monumentale, à la fin du XIXe) et à la Normandie contemporaine (sélection de photos du XXe siècle), explorant à travers le fil directeur du pittoresque la représentation, en gravures et en photographies, de la Normandie durant deux siècles.

Enfin, à Londres... Waterhouse à la Royal Academy, ainsi qu'une exposition de design contemporain sur le thème des contes de fées et de la fantasy au V&A, que j'aurais aimé voir histoire de m'amuser si j'étais allé à Londres. Mais voilà, on n'a pas toujours le temps et les finances dont on aurait envie.

Emerson, Woodnotes

2009-08-21T14:09:00.008+02:00

Ralph Waldo Emerson

Dans la foulée, quelques vers de la traduction, par la même, d'un poème de Ralph Waldo Emerson, parue récemment (juin) dans le n°2 de la revue MIR, éditée par les éditions Ikko.

Ce paysan rêveur était assis, humble,
Auprès des eaux de la forêt ;
Les racines enchevêtrées du pin
Formaient les entrelacs de son trône ;
Le vaste lac, frangé de sable et d’herbes,
Était poli comme un verre
Coloré par les ombres vertes et majestueuses
De l’arbre et de la nue.

(c'est moi qui souligne)

Browning et la terre gaste

2009-08-21T10:42:00.007+02:00

Je parlais dernièrement de l'Anneau et le livre de Browning, récemment paru aux éditions le Bruit du temps. La traduction par Charlotte d'un poème (Childe Roland at the Dark Tower Came) du même écrivain vient d'être publiée sur le site de la revue électronique Retors, animée par Sarah Cillaire. Réinterprétation romantique du thème merveilleux de la terre gaste, ce poème est aussi un parfait exemple de réécriture moderne d'un motif médiéval, celui du chevalier qui erre en quête de la Tour Sombre.

Robert Browning (1812-1889)

C'est surtout un très beau poème sur le désenchantement, qui me rappelle, dans un registre et une forme complètement différents, La Route de Cormac McCarthy, que j'ai lu très récemment sur les conseils d'une amie, Julia, et qui m'a considérablement bouleversé.

Ecoutez-moi ! Je ne m'étais pas plus tôt

Engagé par la plaine que je fis halte,

Après un pas ou deux, pour jeter un dernier regard

Sur la grand route : le néant ; autour de moi une grise plaine :

Rien qu'une étendue grise, à perte de vue.

Autant aller de l'avant, n'ayant guère d'autre choix.

Un été victorien

2009-08-08T17:47:00.004+02:00

Après avoir parcouru le premier tome du Pacte avec le Serpent de Mario Praz, qui concerne le roman noir, Poe et les Préraphaélites (à ce propos, un superbe site de ressources iconographiques concernant ces derniers hébergé par le musée de Birmingham, merci à la Morris Society pour le lien), je me suis lancé dans une lecture de vacances. Le genre de gros pavé qu'on emporte sur la plage : Possession, d'Antonia Susan Byatt. Ce roman raconte l'histoire d'un jeune universitaire qui travaille sur un poète victorien du nom de Randolph Henry Ash, et qui lui découvre une correspondance, puis une liaison restée secrète avec une poétesse du nom de Christabel LaMotte, dont l'oeuvre n'avait a priori, dans l'histoire littéraire, jamais été rapprochée de celle d'Ash. S'ensuit une longue enquête, au milieu de conflits idéologiques et politiques entre universitaires, pour savoir qui aura le premier accès aux informations concernant le lien entre les deux poètes.

Le livre s'apparente donc tout à fait à un livre pour universitaires, fourmillant d'allusions érudites à la littérature et la civilisation victorienne (les thèmes merveilleux comme celui de Mélusine ou de la ville d'Ys, la fascination pour l'histoire naturelle héritée des romantiques et de Darwin, les tables tournantes des cercles spirites...), et surtout dépeignant, avec souvent beaucoup d'humour, certains travers des chercheurs en littérature. On trouve en effet différents portraits d'universitaires assez drôles, comme celui du vieux professeur anglais, Blackadder, partisan de l'érudition philologique à l'ancienne, celui de Leonora Stern, ancienne hippie partisane de la critique lesbiano-féministe, ou encore Mortimer Cropper, un collectionneur prêt à tout pour obtenir un bouton de chemise de Randolph Henry Ash.

Mais plus qu'un roman universitaire qui traite de la manière dont les universitaires traitent la littérature, c'est aussi un roman sur la littérature elle-même, et la poésie en particulier, qui traite de la manière dont elle nous captive, et dont elle finit par s'emparer de nos vies. Le personnage principal, le jeune Roland Michell, apprendra surtout, dans cette enquête, à acquérir son propre langage, et à voir le monde autrement. C'est un roman d'apprentissage (et de libération) en même temps qu'un roman policier.

Un des aspects le plus fascinant de ce roman est la virtuosité avec laquelle Byatt s'empare des topos de la littérature victorienne, et jalonne son récit de poèmes, de contes, de journaux intimes et de correspondances amoureuses plus vraies que nature. Ash et LaMotte sont deux auteurs fictifs, mais leurs écrits semblent tout droit descendre, pour l'un de Wordsworth et de Tennyson, pour l'autre peut-être de Dickinson et de Violet Hunt. Byatt est une ancienne universitaire, et cela se ressent dans la manière dont elle a choisi tant son sujet que sa manière de l'aborder. La construction est très postmoderne, avec tout un jeu de montage de textes qui ménage des échos symboliques entre l'histoire de Roland Michell et celle des deux poètes victoriens. Le récit, du fait de ces multiples textes enchâssés "à la manière de", constitue un véritable exercice d'écriture, et si Byatt ne manifeste pas toujours, par cet exercice de pastiche permanent, de voix véritablement personnelle, force est de reconnaître l'intelligence profonde de ce roman, excellement construit, et qui donne à la fois le goût de la littérature et celui... de la vie. Je doute, en revanche, qu'il donne le goût de la recherche universitaire, autrement que sous la forme, bien idéale malheureusement, de la fascination qu'entraîne le jeu de l'enquête policière autour de l'histoire d'Ash et de LaMotte.

Les Grimm nous envoient de bonnes ondes

2009-07-22T13:43:00.005+02:00

Je sais, ce n'est pas très original, j'ai tendance à me répéter... C'est que l'histoire continue! Grimm est à nouveau au programme de France-Culture (on voit de toute façon mal NRJ s'intéresser à la nouvelle traduction parue il y a maintenant deux mois), dans l'émission des Matins entre 7h40 et 8h55, le vendredi 24 juillet. Natacha Rimasson-Fertin, la traductrice/éditrice de l'ouvrage paru aux éditions José Corti, répondra aux questions d'Ali Baddou et des chroniqueurs de l'émission (Alain-Gérard Slama, Olivier Duhamel, etc.)

Page de titre du premier tome de la seconde édition (1819) des contes de Grimm

Géographies du merveilleux à Fontevraud

2009-07-07T17:05:00.009+02:00

Encore une fois, la programmation culturelle de Fontevraud se révèle particulièrement alléchante. Après l'exposition sur les rapports entre Miyazaki, Takahata et Paul Grimault, le thème du cycle de conférences de cet été se trouve être Géographie et merveilleux au Moyen-Âge.

Marco Polo

Le programme a été conçu avec la collaboration de Jacques Le Goff, et comprend des interventions de Philippe Walter, François Bon, André Miquel, et bien d'autres universitaires spécialistes de la littérature de voyage ou de la littérature médiévale. On regrettera sans doute que les interventions portent presque exclusivement sur la littérature, et peu sur les arts plastiques, mais ce serait bouder son plaisir que de ne pas aller entendre une conférence sur l'Autre Monde dans les odyssées irlandaises (Philippe Walter, vendredi 31 juillet), sur Le Devisement du monde de Marco Polo (Michèle Guéret-Laferté, vendredi 24 juillet), ou sur les Monstres, hallucinations et peurs dans les voyages anciens (François Moureau, vendredi 21 août).

Les conférences ont lieu le vendredi, et le samedi ont lieu des lectures de grands classiques de la littérature merveilleuse, comme le Voyage au centre de la Terre et 20000 Lieues sous les mers de Jules verne, ou le Gulliver de Swift, mais aussi de textes moins connus comme Le Voyage souterrain de Niels Klim, de Ludwig Holberg, ou, plus proche de nous, Le Mont analogue de René Daumal.

Gulliver par Arthur Rackham

En marge de tout cela, et toujours dans un programme axé sur les voyages et les mondes imaginaires, on a droit, le samedi 15 août, à une représentation du Chant de l'Odyssée par le célèbre conteur Bruno de la Salle, ainsi qu'à toute une série de projections en plein air de films et dessins animés avec pour thème le voyage merveilleux : Méliès, Miyasaki, Lotte Reiniger, Terry Gilliam...

Les Aventures du prince Ahmed de Lotte Reiniger, l'un des premiers chefs-d'oeuvre du cinéma de silhouettes.

Franchement, vous êtes sûr que vous n'avez pas envie d'aller faire un tour du côté de Fontevraud cet été ?

Grimm par Quignard, Byatt... et Goble

2009-06-28T10:15:00.008+02:00

Je retransmets une information dont les abonnés à la lettre d'information de José Corti auront déjà certainement eu vent. Le dernier numéro du Monde des livres, supplément du Monde paru en kiosque vendredi dernier, fait la part belle cette semaine à la nouvelle édition des contes de Grimm traduits par Natacha Rimasson-Fertin, qui comprend une interview avec la traductrice (où j'apprends qu'elle a été élue maître de conférences à Grenoble, bravo Natacha!) ainsi que deux articles signés par l'écrivain Pascal Quignard et la romancière A.S. Byatt. Du beau monde, donc, pour célébrer la parution de cet ouvrage tant attendu par les amateurs de contes.

Pour ceux qui ne trouveraient plus l'édition du Monde de vendredi en kiosque, on peut encore lire les articles sur le site du quotidien:

Interview de Natacha Rimasson-Fertin

Article de Pascal Quignard

Article de A.S. Byatt

Evidemment, le Monde (version papier) a choisi, pour illustrer les articles, une création d'un illustrateur... anglais! Quand je vous dis que l'on a tendance à ne voir les contes de Grimm qu'à travers le prisme des illustrateurs anglais! Ceux-ci ont sans doute été à la fois les plus nombreux et les plus talentueux à mettre en images ces contes. Surtout, les livres illustrés anglais ont très probablement (un autre chantier de recherche...) connu une meilleure diffusion que les livres illustrés allemands, qui rend leur style d'illustration plus familier que celui des illustrateurs allemands.

En l'espèce, c'est une illustration de Warwick Goble, contemporain de Rackham, Dulac, Robinson, etc., qui a été choisie, illustration qui met en images le conte du Roi Grenouille, qui ouvre la collecte des frères Grimm (KHM 1).

Quand Henry Selick lit Neil Gaiman

2009-06-10T13:35:00.009+02:00

Neil Gaiman, le très carrollien auteur du récent American Gods, publiait en 2002 un roman court intitulé Coraline (qui s'est vendu comme des petits pains) : l'histoire d'une petite fille qui découvre un passage vers un autre monde curieusement identique au sien, à la différence que ses parents ne la contrarient jamais et qu'ils ont des boutons de mercerie à la place des yeux.

Un sujet de rêve pour Henry Selick, le réalisateur notamment de L'Etrange Noël de Monsieur Jack, qui s'en est emparé avant même la publication du roman. Ce prodige du "stop motion", technique d'animation qui consiste à donner vie à une marionnette en filmant image par image, a tourné pour la première fois avec des caméras numériques. Coraline sort aujourd'hui en salles, et je lis dans Le Monde une chronique assez enthousiaste de Thomas Sotinel, aux yeux duquel le résultat est virtuose en ce qui concerne la modélisation des marionnettes, l'animation des volumes et le travail sur la matière.

Chaussez vos lunettes 3D, si votre salle propose un visionnage en relief, et surtout n'oubliez pas vos yeux d'enfants, atout majeur pour se glisser dans ce monde parallèle qui promet d'être féérique et virevoltant !

Grimm à nouveau sur les ondes

2009-06-06T10:42:00.003+02:00

Une nouvelle lecture, après celle de décembre dernier, de la nouvelle traduction des Grimm (Corti, mai 2009) a lieu prochainement sur les ondes, il s'agira cette fois-ci du conte "L'alouette qui chante et sautille" (Das singende springende Löweneckerchen), ainsi que du bien-connu "Raiponce" (Rapunzel) ; ça se passe dimanche 7 juin (demain soir), de 17h30 à 18h00, sur France-Culture, bien évidemment.

Le chien de la nuit

2009-06-01T14:21:00.008+02:00

Récemment, mon beau-frère, un pâtre odiniste, est descendu de ses montagnes pour venir rendre visite à sa famille en région tourangelle... Après avoir causé de cuisine médiévale et de la réintroduction problématique des ours dans les Pyrénées, la conversation a tourné vers la musique. Je lui ai fait connaître Comus, il m'a fait connaître Moondog. Et j'ai été conquis par l'histoire de ce musicien-compositeur aveugle et sdf, ayant vécu la majeure partie de sa vie à New York, et mort en Allemagne, réfugié à la fin de sa vie dans la vieille Europe. Il était doté d'une très longue barbe, et, pour éviter qu'on l'appelle Jésus, il a décidé un jour de s'habiller en viking. Son surnom: le "Viking de la 6e Avenue".

Voilà pour le folklore. La musique, elle, si elle n'est pas non plus impressionnante de complexité (pour ce que j'en ai entendu, c'est-à-dire le cd éponyme avec compositions orchestrales datant des années 1960), reste très intéressante et novatrice pour l'époque. Vers la fin de sa vie, il a visiblement composé des canons nécessitant l'emploi d'un millier de musiciens sur près de neuf heures. Ayant fricoté à la fois avec le jazz et la musique du monde, il a également rencontré les principaux représentants du minimalisme américain, Terry Riley, Steve Reich et Philip Glass, chez qui il squattera pendant 3 mois. Encore un témoignage, s'il en était besoin, de l'influence, au cours des années 1960 et des années 1970, des cultures ethnologiques sur la culture et la contre-culture américaines, ainsi que de l'entremêlement de ces deux dernières: si Moondog reste peu connu du grand public, il aura une influence considérable sur un certain nombre d'artistes et de compositeurs, Janis Joplin et Charlie Parker reprenant, entre autres, certains de ses airs.

Avis, donc, aux amateurs de musique du monde, de musique psychédélique et de musique minimaliste: Moondog mérite plus qu'un rapide coup d'oreille, il mérite une attention soutenue, au même titre que d'autres personnalités marginales comme Zappa ou Vander.

Comus de retour

2009-05-21T16:54:00.011+02:00

John Milton (1608-1674), l'auteur du Paradise Lost (1667), ne s’imaginait pas en écrivant le "masque" Comus (1634), qu'il donnerait son nom à un groupe de folk des années 70 ; lequel groupe ne savait pas non plus en écrivant le morceau Drip Drip, qu'il inspirerait le nom d'un des albums du groupe suédois Opeth.

Belle histoire de ce groupe qui après un premier album culte en 1971, suivi d’un second en 1974, est resté dans l’oubli jusqu’à ce que Mike Akerfeld les pousse à se reformer, si bien qu’ils joueront au Festival Equinoxe cet été.

Grimm chez José Corti **

2009-05-20T18:29:00.002+02:00

Petite mise à jour:
description des deux volumes sur le site de Corti ; et entretien avec la traductrice.

Le bruit du temps et la voix de Browning

2009-05-16T14:35:00.004+02:00

Une nouvelle maison d'édition vient de naître en 2009, il y a quelques mois. Menée par Antoine Jaccottet (le fils du poète) et Cécile Meissonnier, transfuges de Gallimard, elle s'appelle le Bruit du temps, d'après le nom d'une oeuvre de l'écrivain russe Ossip Mandelstam. Le catalogue ne comprend pour l'instant qu'une poignée de titres, mais affiche déjà une politique éditoriale très ambitieuse et exigeante intellectuellement, pour l'instant essentiellement tournée vers la réédition de textes anciens.

Nous avons eu le loisir d'entendre un peu Antoine Jaccottet parler de son travail, et surtout de ses livres, hier soir à la librairie Le Livre, à Tours, qui fêtait ses 15 ans. Je partais d'un a priori négatif, me disant, au regard du site internet de la maison un peu trop bavard et "bien fait", que cela risquait d'être un brin guindé et narcissique. Et j'ai été heureusement surpris de voir un éditeur complètement passionné par les livres qu'il édite, qui ne parle pas de lui quand il parle de littérature, mais de littérature. Sa présentation de L'Anneau et le Livre de Robert Browning donnait vraiment envie de se confronter à ce pavé racontant en 21000 vers, à travers douze voix différentes, une sombre histoire de moeurs de l'Italie du 17e siècle. Quelques lectures de la traduction en prose de Georges Connes finissent de convaincre: il s'agit là d'un chef-d'oeuvre. Certes pas easy-reading, mais certainement pas non plus inaccessible et ennuyeux, contrairement à ce que la mauvaise réputation de poète victorien didactique de Browning pourrait laisser croire. A lire, donc, ainsi que d'autres textes du même éditeur, de Proust, Mandelstam, Auden ou James.

On voit par ailleurs que si la maison est nouveau-née, l'éditeur n'est certes pas débutant : ses premiers titres à peine publiés, il propose sur son site un catalogue très détaillé, ainsi que la possibilité de feuilleter les premières pages du livre sur écran, enfin les livres bénéficient d'une excellente maquette, et d'un prix marketing reposant sur la règle bien connue de ne pas afficher de chiffre rond (L'Anneau et le Livre coûte 39 euros). On voit ici qu'on joue dans la cour des grands, et le jeu est d'autant plus agréable que la valeur littéraire des oeuvres comme leur présentation matérielle sont d'une qualité irréprochables.

Bon vent au bruit du temps, qui recueille la rumeur des âges!

Grimm chez José Corti *

2009-05-14T20:26:00.007+02:00

J'en parlais l'année dernière, ça y est, c'est fait, je viens de recevoir mes exemplaires. L'édition José Corti des contes de Grimm est sortie, dans une version traduite, commentée et postfacée par Natacha Rimasson-Fertin. Je ne crois pas être autorisé à diffuser de visuels pour l'instant, mais le coffret est je trouve très réussi, utilisant une illustration en silhouettes de Dora Polster, une illustratrice allemande du début du XXe siècle.

Même si je n'ai qu'une part très peu importante dans la réalisation de cet ouvrage (essentiellement, j'ai choisi les illustrations et rédigé une courte postface, p. 505-509 du 1er tome, et mon nom n'apparaît pas en page de titre), vous ne pouvez pas savoir à quel point je suis content de tenir l'ouvrage entre mes mains. Justice est enfin rendue à l'oeuvre des Grimm.

Enfin, je vais pouvoir présenter le nom des illustrateurs que vous pourrez trouver dans ces deux gros volumes quand vous vous rendrez dans votre librairie à partir de la troisième semaine de ce joli mois de mai:

George Cruikshank

Ludwig Emil Grimm
(illustration non présente dans le livre, c'est une autre version de la même image qui a été choisie au final)

Bertall

En somme, que des illustrations d'époque, du vivant des frères Grimm. Un illustrateur allemand (le cadet de Jacob et Wilhelm), un français, et un anglais dans la mesure où Cruikshank joue un peu le rôle de passeur entre l'Allemagne et la France au cours de la diffusion des contes de Grimm. Plus de détails dans ma postface...

Le Vent dans les Saules, deux éditions critiques

2009-05-03T21:55:00.006+02:00

Illustration d'Arthur Rackham pour le Vent dans les Saules, 1939.

A l'occasion du 150e anniversaire de la naissance de l'auteur du Vent dans les saules, deux éditions critiques du chef-d'œuvre de Kenneth Grahame sont publiées en langue anglaise. Une occasion de relire ce splendide récit avec quelques notes permettant de mieux le comprendre, même si (voir lien ci-dessus) les annotations sont toujours sujettes à caution... surtout quand les éditions critiques en question sont publiées, je le suppose, à la va-vite à l'occasion de jubilés comme celui-ci.

Il reste qu'une édition annotée et critique d'un classique de la littérature enfantine est un projet de livre possible et visiblement viable dans le monde anglo-saxon, chose qui n'est semble-t-il pas encore possible en France. A part l'édition de Marc Soriano pour les contes de Perrault (et très bientôt celle de Natacha Fertin pour ceux de Grimm), vous en connaissez beaucoup, vous, des éditions critiques de littérature pour enfants? Quand vous trouverez une édition correcte (je ne parle pas de la traduction, mais d'un système de notes et d'une introduction potables), en français, d'Alice au pays des merveilles ou de Peter Pan, je vous encourage à me la signaler, je serais très heureux d'en apprendre l'existence. Ce serait en tout cas le genre de projet éditorial qui permettrait non seulement de mieux connaître les œuvres, mais également de rectifier un tant soit peu certaines des idées reçues qui les accompagnent encore trop souvent (Carroll et Barrie pédophiles, Carroll consommateur de drogues - « mais oui, la preuve c'est le mille-pattes qui fume! » -, etc.).

(paru en mai 2009)

Romantiques américains

2009-04-21T21:20:00.008+02:00

Walt Whitman

On ne se refait pas, j'ai été, je suis, et je suppose que je serai encore longtemps fasciné par les romantiques. Aussi bien ceux d'hier que ceux d'aujourd'hui. Aussi, la découverte d'un pan pour moi totalement inconnu de ce mouvement a été ces dernières semaines un événement assez important.

Le premier pas a été franchi il y a environ un mois, quand j'ai découvert la poésie de Walt Whitman, dont j'ai lu quasi intégralement, d'une traite, les Feuilles d'herbe dans leur version de 1855. Je l'ai lu dans le Lot, en pleine nature, comme doit, à mon sens, être lue la poésie, et spécialement cette poésie-là. Totalement happé par le panthéisme de Whitman, qui veut tout inclure dans son éloge de la vie, j'ai néanmoins été légèrement déçu par le travail de la langue, qui, est-ce l'effet de la traduction?, fait un usage un peu trop abondant de l'anaphore, et ne se renouvelle pas assez à mon goût dans ses effets. L'aspect extatique de sa poésie en prose m'avait néanmoins convaincu qu'il y avait là quelque chose à fouiller, un os à venir ronger.

L'étape suivante, en revanche, a constitué un véritable événement. Je n'avais jamais lu Thoreau, et n'en avais entendu parler que très récemment, mais le petit livre édité très soigneusement par Finitude, une petite maison d'édition bordelaise, m'a vraiment... je ne sais comment dire. C'est vraiment le coup de foudre. Rarement un livre m'a autant, non véritablement impressionné par son envergure ou son intelligence, mais remué personnellement. J'y retrouve toutes mes obsessions, mais également celles du siècle. La prose de Thoreau est pétrie d'un rejet du monde moderne, dans ce qu'il a d'aliénant s'entend, et du désir de revenir au monde. De ne pas fuir le monde, mais de revenir à lui. L'éloge des pommes sauvages n'est évidemment qu'un prétexte pour l'auteur à parler d'autre chose: du plaisir de la marche, de la contemplation des espaces sauvages, de la cause écologique - voire de celle de la décroissance -, et même des légendes et des mythes, qu'ils soient antiques ou bibliques...

Du coup, c'est toute une généalogie d'écrivains américains qui se dessine, et qui m'ouvre de grands bras accueillants. Charlotte avait lu un article sur Rick Bass dans le Matricule des anges, et découvert la piste de John Muir entre les pages de l'écrivain. Par ailleurs, elle découvrait et me faisait lire les poèmes de Ralph Waldo Emerson, dont elle traduit quelques-unes des oeuvres pour un prochain numéro de la revue Mir (à paraître).

John Muir

Entre Emerson et Rick Bass, il y a Whitman, Muir, Thoreau, et bien d'autres. Toute une lignée, dont la découverte est d'autant plus enthousiasmante qu'elle s'est faite hors des bancs de l'université. Par ailleurs, je constate que les uns comme les autres sont publiés (entre autres, bien sûr) par l'une de mes maisons d'édition préférées. Décidément, tout se ligue pour m'amener à penser que non, tout espoir n'est pas mort de recueillir, partager et contempler la beauté du monde.

Quand Rackham influence la mode d'aujourd'hui...

2009-04-14T14:46:00.004+02:00

Un bleu splendide que Dulac n'aurait pas renié non plus.

La nouvelle coqueluche de la mode new-yorkaise, Jason Wu, ne cesse de répéter ici et là que son inspiration vient en grande partie des illustrations d'Arthur Rackham. Il est vrai que Rackham dessinait de très jolies robes, et il est agréable de voir que sa veine romantique fait encore des émules: Michelle Obama a choisi une robe du jeune créateur, en janvier dernier, pour la cérémonie d'investiture de son mari. Je préfère largement ça, en tout cas, aux costumes trop grands et clinquants de notre président à nous.

Karl Girardet chez Mame

2009-04-11T08:47:00.007+02:00

Même si je ne fais plus partie officiellement, depuis mars, du projet Mame, je reste en contact avec l'équipe de jeunes chercheurs qui travaille sur l'histoire de cette maison d'édition tourangelle. Pendant 6 mois, de septembre à février dernier, j'ai travaillé sur l'illustration dans les livres édités par Mame. L'un des axes de cette recherche s'est concrétisé dans une communication au cours d'une journée d'étude le 13 janvier dernier. Ceux qui s'intéressent de près ou de loin aux illustrateurs du XIXe siècle pourront ainsi écouter sur le site de l'université de Tours ma conférence sur Karl Girardet, illustrateur chez Mame. Les autres conférences de cette journée sont également en ligne. Je présente dès maintenant mes excuses pour mon débit un peu rapide, mais j'ai parlé à la fin d'une journée bien chargée, et il me fallait donc accélérer pour que la dite journée ne se termine pas trop tard...

William Blake au Petit Palais

2009-04-02T11:42:00.002+02:00

A ne surtout pas rater : l'expo William Blake au Petit Palais

Du travail à l'université

2009-03-16T20:06:00.006+01:00

Désolé, en ce moment, entre le bouclage d'un article en fin de post-doctorat et quelques préparatifs de vacances, je n'ai pas trouvé le temps (ni l'envie, à vrai dire) de tenir ombres vertes. Juste un petit mot, donc, pour renvoyer encore une fois à ce qui se passe dans les universités en ce moment, et qui pourra toujours intéresser ceux de mes lecteurs qui ne sont pas trop au fait de ce qui s'y passe, et qui ne suivent les manifestations que de loin.

Depuis la fin janvier, et notamment depuis le discours dévastate ur et insultant du 22 janvier, on assiste à des manifestations à répétition, une grève continue et parfois des bloquages dans l'ensemble des universités françaises, qui ont pour but de protester contre une réforme qui ne fait que donner de nouvelles charges et surtout de nouveaux tracas à des enseignants-chercheurs qui sont déjà en sous-effectifs et surchargés de travail. Les doléances sont évidemment tout autre que corporatistes: il s'agit de critiquer une réforme qui n'a absolument ni queue ni tête, qui a été "pensée" par le ministère à la va-vite et sans aucune concertation avec les acteurs concernés, et qui risque tout simplement de mettre en péril l'université française. D'autres spectres plus sérieux se profilent à l'horizon, comme le facteur H qui commence à pointer le bout de son nez en France, et auprès duquel le classement inepte de l'AERES fait figure de douce tranche d'humour gaulois. Si le facteur H s'installe dans les pratiques académiques, ce ne sera pas l'université française qui en pâtira, mais la science en général, et au niveau mondial.

A un niveau plus national et de manière plus concrète, pour suivre l'actualité du mouvement et essayer de le comprendre en profondeur, rien de mieux que les sites de SLU ou de SLR, certes partisans, mais qui ont au moins le mérite de donner le maximum d'informations et de ne pas donner dans le genre ô combien désormais habituel de la "communication" et de la xyloglossie. Et pour ceux qui croiraient encore qu'être enseignant-chercheur à l'université, en France, c'est se la couler douce avec six mois de vacances, trois témoignages pour faire réfléchir: un billet de Pierre Jourde, une tentative intéressante de Yoric d'exploiter la forme de journal du blog pour rendre compte presque heure par heure de son emploi du temps de fainéant de chercheur, et enfin, de manière plus... humoristique, le blog de la grosse feignasse, création littéraire d'une (ou de plusieurs?) enseignante(s)-chercheuse(s) en littérature.
Il est parfois désespérant de constater la lente dégradation de la société française, qui est laissée aux mains de gens qui font de la communication au lieu de faire de la politique, qui ne laissent pas une année sans tenter de réformer, sans suite ni raison, et sans autre motif que de paraître politiquement actif, un système d'enseignement qui n'est certes pas exempt de défauts mais qui reste l'un des meilleurs du monde. Le but étant bien évidemment d'agiter les bras en tout sens pour faire croire qu'on fait quelque chose, et de rivaliser de langue de bois, voire (et de plus en plus souvent) de désinformation, pour faire croire que ce qu'on fait est utile et de bon sens. L'équivalent du facteur H, en somme: je parais donc je suis. J'ai parfois l'impression que lutter contre la mainmise de la communication sur la politique revient à lutter contre un moulin à vent. Sur ce, je pars m'exiler avec Cervantès et Walt Whitman dans le Lot et la Corrèze pendant 15 jours, à l'abri de ma webomanie galopante, et dans l'espoir d'oublier pendant un temps cette sinistre farce.

Genres de la littérature orale - programme

2009-03-10T13:22:00.004+01:00

La journée d'études dont je parlais il y a six mois se concrétise: elle aura lieu le 16 juin dans la Maison de la Recherche de la Sorbonne, et comporte un programme ambitieux, avec 11 communications en l'espace d'une journée.

Parmi les personnalités qui sortent (un peu) du cadre strictement universitaire, on pourra faire remarquer les interventions de Lise Gruel-Apert, traductrice des contes d'Afanassiev aux éditions Maisonneuve & Larose, Natacha Fertin, traductrice des frères Grimm chez Corti, Fabienne Raphoz des mêmes éditions Corti, et enfin Bernhard Lauer, directeur du musée Grimm. On parlera de conte, bien sûr, mais aussi de mythe, de légende urbaine ou de légende tout court (Sage), et même de dessins animés! Nul doute que la journée soit passionnante: en tout cas, elle promet de l'être.

Ch. Guilbert, Affiche de librairie (lithographie) pour les Contes populaires de l'Allemagne de Musaeus, 1845 (BNF).

9h-12h
INTRODUCTION : Natacha Rimasson-Fertin et Frédéric Garnier

MYTHES ET LÉGENDES
MANUELA LUCIANAZ (Université de la Vallée d’Aoste) : « Modèles d’analyse de mythes, contes, légendes : le cas difficile de la littérature orale »
EMILIE LASSON (Université Paris IV-Sorbonne) : « La légende de Gerbert d’Aurillac selon Ulrich de Pottenstein »
DISCUSSION

LE CONTE
LISE GRUEL-APERT (traductrice des Contes d’Afanassiev) : « Vladimir Propp et les structures des contes »
NATACHA RIMASSON-FERTIN (Université Rennes 2) : « Entre satire et volonté didactique : paradis et enfer dans les contes facétieux et religieux chez les frères Grimm et Afanassiev »
BERNHARD LAUER (Directeur du Brüder Grimm-Museum Kassel) : « Die Gattung Grimm als kleine Form »
FRÉDÉRIC GARNIER (CIRCE – Université Paris IV) : « L'histoire d'un soldat juif ou la fonction des contes chez Y. L. Cahan »
DISCUSSION

DÉJEUNER

14h-17h
DES PERSONNAGES ENTRE DEUX GENRES
FABIENNE RAPHOZ-FILLAUDEAU (Editions José Corti) : « Oiseaux des contes ou contes d'oiseaux? Un animal singulier dans une classification internationale »
SÉVERINE YANEZ (Université Paris IV-Sorbonne) : « Les sorcières dans les contes et les légendes de Theodor Vernaleken »
DISCUSSION

LE DEVENIR DU CONTE AU XXÈME SIÈCLE : QUELQUES EXEMPLES
XAVIER ESCUDERO (Université d’Arras) : « (Re)penser le conte en fonction de la presse dans l'Espagne de la fin du XIXème au début du XXème siècle : redéfinition d'un genre »
AURORE VAN DE WINKEL (Université catholique de Louvain) : « Les légendes urbaines : entre transgénéricité et pluri-efficacité »
CLAIRE ASLANGUL (Université Paris IV-Sorbonne) : « Les dessins animés allemands des années 1930, entre reprise, modernisation et instrumentalisation des formes traditionnelles de la littérature populaire »
DISCUSSION

CONCLUSION : Natacha Rimasson-Fertin et Frédéric Garnier

Paulinho et Marisa

2009-03-02T15:20:00.007+01:00

Comme j'ai été voir Maria Bathânia salle Pleyel la semaine dernière, un rendez-vous plein d'émotions, j'ai eu l'envie de revoir les séquences mythiques de Saravah, qui m'ont tellement enthousiasmé par le passé. Et là les souvenirs remontent et je me dis : mais que fait Paulinho da Viola aujourd'hui, à soixante cinq ans passés ? Deux trois clics sur Youtube plus tard, je tombe sur deux perles, deux splendides vidéos (là et là) ou Paulinho accompagne sa cadette (25 ans de moins) peut-être la plus douée, Marisa Montes, dans un moment des plus savoureux. Enivrant, assurément.

Légendes françaises vues d'Allemagne

2009-02-11T14:00:00.003+01:00

J'ai terminé récemment la lecture d'une traduction de trois légendes de Ludwig Tieck, récemment parue (janvier) aux éditions Grèges. Ces trois légendes sont inspirées de récits médiévaux français dont deux sont bien connus: celui des fils Aymon et celui de Mélusine, respectivement tirés, l'un d'une chanson de geste anonyme, et l'autre des récits de Jean d'Arras et de Coudrette (ici la présentation d'un ouvrage sur la figure de Mélusine chez Arras et Coudrette). J'ai moins aimé la troisième légende, celle des Amours de la belle Maguelonne et de Pierre de Provence ; en revanche j'ai été vraiment enthousiasmé par l'histoire des fils Aymon, qui est ici réécrite avec une verve incroyable par Ludwig Tieck, qui rappelle vraiment, par son caractère cru et direct, le style épique des sagas scandinaves ou des Mabinogion.

Histoire des quatre fils Aymon, illustré par Eugène Grasset en 1883. Image empruntée au site de la BNF qui présente l'ouvrage.

Je ne suis évidemment pas compétent pour juger de la qualité des récits de Ludwig Tieck par rapport aux récits originaux, encore moins pour évaluer celle de la traduction française de Sylvie Oussenko (qui signe par ailleurs une postface moyennement convaincante) par rapport aux originaux de Tieck. Mais j'ai en tout cas été séduit par ce petit recueil, d'une part parce qu'il rend accessible, dans une langue peut-être plus proche de la nôtre, des récits fondamentaux du légendaire fançais, d'autre part parce qu'il rend bien compte, par sa cohérence, d'un passage bien précis de l'histoire de la littérature allemande.
Ces récits de Ludwig Tieck sont en effet à la fois symptomatiques d'une domination de l'Allemagne par les lettres françaises à la fin du XVIIIe siècle, et d'un renouveau d'intérêt pour les récits légendaires, contes et autres "récits de bonne femme" chez les romantiques. Si à la fin du XVIIIe siècle, chez Ludwig Tieck, les réécritures de légendes se font encore à partir des classiques français, dans un second temps, avec les travaux des Grimm notamment (mais entre autres), c'est son propre fonds légendaire national que l'Allemagne tendra à vouloir se réapproprier.

Ramayana

2009-01-31T10:15:00.004+01:00

A ne pas manquer ce soir, la diffusion en direct, en streaming par internet, du concert-spectacle sur l'épopée du Ramayana qui se déroule à la Cité de la musique à partir de 20h00. J'avais déjà eu l'occasion, en septembre dernier, d'assister à une partie de la nuit indienne: c'est évidemment beaucoup moins bien que sur place, mais ça vaut néanmoins le coup d'œil (et d'oreille). Pour les parisiens, peut-être reste-t-il encore des places?
Le Râmâyana est un des textes-sources de l'hindouisme, ici mis en théâtre/musique/danse, selon la tradition du théâtre khon, par une des plus prestigieuses troupes thaïlandaises de spectacle vivant (elle émane directement du Ministère des Beaux-Arts de Thaïlande).

Sape de l'université et appel à la grève

2009-01-27T10:03:00.003+01:00

Je ne peux décemment pas ne pas relayer l'appel à la grève du 2 février (et avant, du 29 janvier), et informer mon (faible et déjà en grande partie informé) lectorat que le gouvernement envisage sérieusement de démanteler le CNRS (une autre réaction ici) et ainsi de paralyser de larges pans de la recherche française. Sans parler même de l'affaiblissement conjoint de l'enseignement, que ce soit à l'université ou dans le secondaire... D'habitude je ne parle pas de politique, mais là, l'affaire est trop grave pour ne pas participer au buzz (par ailleurs assez limité dans les médias traditionnels).

On pourra penser que le sujet est de peu d'importance par rapport à d'autres sujets d'actualité comme la tempête dans le Sud-Ouest ou la guerre Israël-Palestine... Certes. Mais il ne faut pas non plus oublier que ce sont la recherche et l'innovation qui feront l'industrie française de demain, et donc sa compétitivité dans un contexte mondial très concurrentiel, surtout en période de crise. Et quand je parle d'industrie, c'est au sens large: je parle également de l'industrie culturelle et du tourisme, qui sont l'un des principaux secteurs économiques de l'hexagone, et qui s'appuient en grande partie sur les apports de la recherche en sciences humaines. Il ne s'agit donc pas d'un problème à proprement parler urgent, comme celui des destructions climatiques dans le sud de la France ou de la guerre au Moyen-Orient, mais la fièvre de destruction du gouvernement oblige à le considérer comme tel.

Expos parisiennes avant fermeture

2009-01-24T17:57:00.007+01:00

Cette semaine, Cha et moi sommes allés en coup de vent à Paris pour aller voir quelques expos avant que celles-ci ne ferment. Il était trop tard pour Mantegna au Louvre, également pour Emil Nolde au Grand Palais. Nous n'avons pas eu suffisamment de temps pour aller voir Van Dyck à Jacquemart-André, aussi sommes-nous restés au bord de la Seine, pour les expositions Masques et Le Mystère et l'Eclat à Orsay (jusqu'au 1er février), et pour Abildgaard au Louvre (jusqu'au 8 février).

Des deux expos à Orsay, contrairement à Sophie, nous avons préféré Masques à l'exposition sur les pastels. Notre préférence est purement liée, je pense, à notre absence d'affinités avec les impressionnistes et post-impressionistes qui constituent l'essentiel des oeuvres exposées dans Le Mystère et l'Eclat. Certaines oeuvres valent le détour d'une visite, néanmoins, que ce soit chez les impressionnistes ou les symbolistes, et puis cela permet de redécouvrir une technique sinon méconnue, du moins marginalisée. Masques, en revanche, nous a vraiment beaucoup plu: l'approche thématique est originale et surtout très bien menée, avec en plus beaucoup d'oeuvres venues de loin ou peu souvent montrées, avec d'excellentes mises en perspective historique et esthétique. Et des pièces vraiment somptueuses, placées par ailleurs à côté d'autres oeuvres assez kitsch... il y en a pour tous les goûts, et on apprend pas mal de choses sur des pratiques artistiques aussi diverses que le masque mortuaire, le masque-portrait, les réactualisations de Méduse ou du carnaval dans l'art de l'entre-deux siècles. Et puis cela nous a permis de revoir quelques grotesques de Carriès, qui est une des grandes découvertes d'il y a deux ans.

Une Méduse de Böcklin (non exposée à Orsay).

Enfin, last but not least, la toute petite exposition (une salle) consacrée à Abildgaard, un peintre néoclassique danois, qui n'a sans doute de néoclassique que la technique et le fonds culturel, tant ses oeuvres semblent pénétrées de thèmes et de manières artistiques qui feront la singularité des romantiques... mais ne réactivons pas les vieilles querelles, les étiquettes sont faites pour être prises comme telles, n'est-ce pas?

Abildgaard, Narcisse, dessin à la plume.

J'avais déjà parlé un peu d'Abildgaard dans le dernier volet de ma trilogie sur le cauchemar de Fuseli. Il se trouve que les deux artistes s'étaient connus à Rome dans les années 1770, mais que le peintre danois n'a réalisé sa «réécriture» (je ne sais pas comment on pourrait le dire en matière de peinture) éroticisée du Nightmare de Fuseli que d'après une gravure, bien après cette rencontre, donc. Il reste que leurs univers plastiques comme leurs références littéraires sont étonnamment proches: même fascination préromantique pour Michelange et Shakespeare.
Abildgaard est aussi l'un des premiers (sinon le premier, Saskia pourrait nous en dire davantage) à s'être confronté en peinture au mythe d'Ossian. Il a également illustré le Voyage souterrain de Niels Klim de Ludwig Holberg, un récit de voyage extraordinaire qui, dans la droite lignée (ou mouvance) de Swift, allie imagination débridée et pastiche politique. Je recommande d'aller voir cette petite exposition sur Abildgaard, non parce que ce serait l'exposition de l'année, loin de là, mais parce que c'est l'une des rares occasions de pouvoir contempler ses oeuvres en dehors du Danemark. Ses réalisations sont assez inégales, mais le personnage est passionnant et certaines de ses pièces valent vraiment le coup d'oeil. Je regrette vraiment de n'avoir pu aller voir la conférence de Martin Myrone sur Abildgaard et Fuseli. Elle avait un titre alléchant: Artistes, magiciens et supercheries: Abildgaard, Fuseli et l'invention du «génie», miam!

Le conte mis à jour

2009-01-23T11:23:00.002+01:00

Je suis content, mon premier compte-rendu d'ouvrage vient d'être publié dans Acta Fabula! Petite gloire, mais je suis quand même très content.

Folle Journée : de Schütz à Bach

2009-01-21T11:51:00.004+01:00

http://www.follejournee.fr/

Du 28 janvier au 1 février 2009
et le programme est ici

Pour ma part je n'y serai pas, mais je recommande chaudement d'aller assister à cette édition de la Folle Journée : c'est l'occasion d'entrer en détail dans le répertoire baroque allemand, dont la richesse est inestimable, et le meilleur moyen pour entendre un tas d'oeuvres magnifiques et pourtant jamais jouées. Un véritable évènement !

Mame

2009-01-05T22:44:00.005+01:00

Un petit mot pour présenter rapidement le projet de recherche sur lequel je travaille depuis maintenant plus de 4 mois, sous la houlette de Cécile Boulaire, maître de conférences à l'université de Tours. Il s'agit d'un projet de recherche de 3 ans consacré à l'éditeur Mame, à Tours, qui historiquement est spécialisé d'une part dans l'édition religieuse, d'autre part dans la littérature enfantine. La famille exerce le métier d'imprimeur depuis le XVIIIe siècle à Angers, mais son "apogée" se situe au XIXe siècle avec Alfred Mame, à Tours, qui industrialise considérablement la production. C'est l'une des grandes personnalités tourangelles de l'époque, et sa production, très importante quantitativement, inonde le marché francophone du livre de prix et d'étrennes durant une bonne partie du XIXe siècle. On trouve sa trace jusqu'au Canada. La maison d'édition péréclite après la seconde guerre mondiale puis Vatican II, mais il existe toujours un atelier d'imprimerie, qui s'occupe notamment des publications de la RMN.

Les Forêts de la France, Mame, 1886.

Le projet d'étude est pluridisciplinaire, et réunit historiens du livre, de la littérature, de la religion, et de l'art dans la mesure où la plupart des ouvrages, notamment ceux pour la jeunesse, sont illustrés (c'est là que j'interviens).

Pourquoi me mets-je donc à parler maintenant de ce programme de recherche? C'est que le Carnet de recherches du projet vient d'être lancé. Par ailleurs, je ne peux pas trop parler de mon sujet de recherches, car les images sur lesquelles je travaille ne sont pas libres de droit, et parler des images sans les montrer... Pour les amateurs, une journée d'étude ouverte au public est prévue le mardi 13 janvier, à l'université de Tours.

Corinne Duchêne, conteuse elficologue

2009-01-04T17:15:00.005+01:00

Une conteuse elficologue originaire du Berry, passionnée de légendes moyen-âgeuses et d'épopées antiques, je ne pouvais pas priver Ombres Vertes de ce petit lien !

http://www.corinne-duchene.com/

Les chats noirs sont des génies

2008-12-27T20:56:00.005+01:00

Second épisode, après Edgar Allan Poe, des avatars du genius loci dans les chats noirs de la littérature.
Je viens de terminer le Capitaine Fracasse de Gautier. Et je tombe donc sur l'épisode final durant lequel le héros, Sigognac (de son nom de scène le Capitaine Fracasse), enterre son chat noir, prénommé Béelzébuth, qui est mort d'une indigestion après le festin qui clôt les aventures de Sigognac. Celui-ci a tout pour être heureux: il est de retour dans son foyer, le château de ses ancêtres, avec son aimée, Isabelle, avec laquelle il vient de se marier après avoir vécu bien des aventures et traversé bien des épreuves. La mort de l'un de ses animaux domestiques préférés (il y a aussi son chien Miraut et son cheval Bayart, qui finissent le roman en parfaite santé) semble donc une ombre inexplicable au tableau complètement idyllique de cette scène finale de roman, d'autant plus étrange que le chat meurt d'une mort peu noble: d'avoir trop mangé.
Mais l'enterrement du chat, sous l'églantier du jardin qui a vu les premières preuves d'amour entre Isabelle et Sigognac, permet au héros de trouver un coffre rempli de trésors, vestige oublié de la richesse passée de l'un de ses ancêtres. Le chat se fait donc involontairement le médiateur de la découverte d'une richesse supplémentaire. Ne serait-ce donc que parce qu'il agit en quelque sorte magiquement, par l'intermédiaire de son propre sacrifice, pour accroître la richesse de son maître et rénover la richesse de la famille, ce chat mérite de revêtir la fonction de genius loci attaché à un lieu, le château, et à une lignée prestigieuse, les Sigognac. Mais Gautier enfonce le clou avec ce bel excipit, où Sigognac s'adresse à son épouse Isabelle:

« Décidément, dit le baron, Béelzébuth était le bon génie des Sigognac. En mourant, il me fait riche, et s'en va quand arrive l'ange. Il n'avait plus rien à faire, puisque vous m'apportez le bonheur. »

Photographie de Tim Ershot d'un mur parisien.

La fonction de génie tutélaire attaché à une famille et un lieu était en quelque sorte annoncée, comme dans la nouvelle de Poe, par son nom mythologico-religieux, Béelzébuth, divinité infernale... Surtout, on constate qu'a lieu une passation de pouvoir entre le génie domestique associé aux forces chtoniennes, le chat Béelzébuth, et « l'ange » Isabelle, associé au contraire à une symbolique du bien, de la lumière, de la vertu, etc. Non que ce chat soit particulièrement vicieux, mais il est associé à une période de la vie de Sigognac que celui-ci voudrait bien enterrer: celle où il se morfondait, triste et sans le sou, dans son château en ruines. L'arrivée d'Isabelle signifie donc l'arrivée d'une nouvelle période dans sa vie: celle d'une vie rénovée, placée sous le signe du bonheur et de l'abondance, dans un château entièrement restauré.

Cette nouvelle vie, sous forme de happy end, commence à la fin du roman de Gautier, et celui-ci ne s'y attarde donc pas outre mesure. Mais il est amusant de constater que l'écrivain, pour symboliser ce passage d'une condition à une autre, a élaboré une scène, à la signification quasi religieuse, d'enterrement d'un génie tutélaire, qui symboliquement laisse place à une nouvelle âme du château ancestral en charge de le rénover: Isabelle. Ceci constituant une nouvelle preuve de la prégnance des motifs mythiques dans la littérature, notamment durant la période romantique, sous des formes qui pourraient passer, au premier abord, pour anecdotiques.

Banquet de Noël

2008-12-26T20:06:00.006+01:00

Pour se reposer des agapes du moment, je vous propose de savourer cette splendide et rabelaisienne description de cuisine d'hostellerie, trouvée dans le Capitaine Fracasse de Théophile Gautier:

« La cuisine où les comédiens entrèrent en attendant qu'on préparât leurs chambres était grande à y pouvoir accommoder à l'aise le dîner de Gargantua et de Pantagruel. Au fond de l'immense cheminée qui s'ouvrait rouge et flamboyante, comme la gueule représentant l'enfer dans la grande diablerie de Douai, brûlaient des arbres tout entiers. A plusieurs broches superposées, que faisait mouvoir un chien se démenant comme un possédé à l'intérieur d'une roue, se doraient des chapelets d'oies, de poulardes et de coqs vierges, brunissaient des quartiers de bœufs, roussissaient des longes de veau, sans compter les perdrix, bécassines, cailles et autres menues chasses. Un marmiton à demi cuit lui-même et ruisselant de sueur, bien qu'il ne fût vêtu que d'une simple veste de toile, arrosait ces victuailles avec une cuillère à pot qu'il replongeait dans la lèchefrite dès qu'il en avait versé le contenu: vrai travail de Danaïde, car le jus recueilli s'écoulait toujours.
Autour d'une longue table de chêne, couverte de mets en préparation, s'agitait tout un monde de cuisiniers, prosecteurs, gâte-sauce, des mains desquels les aides recevaient les pièces lardées, troussées, épicées, pour les porter aux fourneaux qui, tout incandescents de braise et pétillants d'étincelles, ressemblaient plutôt aux forges de Vulcain qu'à des offices culinaires, les garçons ayant l'air de cyclopes à travers cette brume enflammée. Le long des murs brillait une formidable batterie de cuisine de cuivre rouge ou de laiton: chaudrons, casseroles de toutes grandeurs, poissonnières à faire cuire le léviathan au court-bouillon, moules de pâtisseries façonnés en donjons, dômes, petits temples, casques et turbans de forme sarrasine, enfin toutes les armes offensives et défensives que peut renfermer l'arsenal du dieu Gaster. [...] »

Il est à noter que Gustave Doré, célèbre illustrateur romantique de Rabelais (ci-dessus), a également illustré le Capitaine Fracasse de Gautier. Croisement de textes et d'images qui reste, je crois, à étudier, et qui est caractéristique de la réception romantique de l'œuvre de Rabelais. Bon appétit!

Un Noël sous le signe des Grimm

2008-12-05T22:14:00.006+01:00

Même si le Visage Vert m'a devancé dans son commentaire de mon dernier billet, je me permets de réitérer l'information de manière plus officielle: durant ces étrennes, Grimm est à l'honneur au Théâtre de l'Odéon, ainsi qu'à France Culture qui retransmettra les spectacles. Du lundi au vendredi de 20h00 à 20h30, le samedi de 20h00 à 21h00, et le dimanche de 17h30 à 18h00, on pourra ainsi écouter sur France Culture des lectures, adaptations théâtrales et créations radiophoniques à partir de la nouvelle traduction de Natacha Fertin, qui paraîtra chez Corti en mai 2009. Un programme complémentaire autour de l'œuvre des Grimm, comprenant notamment un reportage sur la Blanche-Neige de Robert Walser, est également décrit à la fin du programme retranscrit ci-dessous. Bonne écoute, et pour les Parisiens bon spectacle de Noël!

Du lundi 22 au dimanche 28 décembre RÉVEILLON CHEZ LES GRIMM
« LES CONTES POUR LES ENFANTS ET LA MAISON » des frères Grimm enregistrés en public à l'Odéon-Théâtre de l'Europe

Publié pour la première fois en 1812-1815, le recueil de contes des frères Grimm devait connaître une grande fortune littéraire, au point d'être, près de deux cents ans plus tard, l'ouvrage en langue allemande le plus traduit et le plus célèbre dans le monde entier, après la Bible de Luther. La postérité a retenu un nom collectif, « les frères Grimm », mettant au second plan leurs prénoms respectifs, Jacob (1785-1863) et Wilhelm (1786-1859), les deux aînés d'une fratrie composée de cinq frères et d'une sœur. Si on les désigne ainsi, c'est en raison de la formidable communauté de vie et de création qu'ils ont formée durant près de soixante ans. Le but qu'ils poursuivaient était avant tout d'ordre scientifique : au fil des sept éditions successives qu'a connu de leur vivant le recueil de contes, ils ont continué à collecter des récits d'origines géographiques diverses, issus de sources écrites et orales, les accompagnant de préfaces et de commentaires. A la différence de leurs ouvrages consacrés au patrimoine littéraire et linguistique de l'Allemagne, les Grimm ont choisi de mettre en lumière le caractère universel des contes, ce qui témoigne d'une connaissance des langues et des littératures étrangères qui force l'admiration, ainsi que de leur ouverture au monde.
Les Contes pour les enfants et la maison des frères Grimm sont à paraître dans une toute nouvelle traduction de Natacha Rimasson-Fertin aux éditions José Corti dans la collection Merveilleux en mai 2009.

lundi 22 décembre Le conte du genévrier - Jorinde et Joringel
Lecture par Ariane Ascaride
Enregistrement en public à l'Odéon-Théâtre de l'Europe dimanche 14 décembre à 15h
Ces contes ont en commun leur caractère sombre et inquiétant, qui s'incarne tantôt dans le personnage de la marâtre, tantôt dans celui de la sorcière qui règne sur la forêt. Mais comme le veut la loi du genre, le bien et l'amour finissent par triompher...

mardi 23 décembre Monsieur Korbès - Les gens avisés - L'oie d'or - La clé d'or
Lecture par Jacques Bonnaffé
Enregistrement en public à l'Odéon-Théâtre de l'Europe samedi 13 décembre à 17h
Mise en scène Olivier Py, réalisation Christine Bernard-Sugy
Sagesse et folie ne sont pas toujours là où on le croit : tel est le message de Monsieur Korbès, Les gens avisés et L'oie d'or, trois contes satiriques où le triomphe appartient à celui que l'on tient pour idiot ou insignifiant. Dans ces récits, la sympathie du lecteur-auditeur va aux innocents, à qui la chance sourit, et le rire l'emporte lorsqu'animaux et objets se liguent contre l'homme.

mercredi 24 décembre Les souliers usés à la danse - Rumpelstilzchen - Les trois fileuses

jeudi 25 décembre La salade qui transforme en âne - Gretel la maligne

vendredi 26 décembre Le conte du pêcheur et de sa femme - Le renard et les oies
réalisation Jean-Matthieu Zahnd

samedi 27 décembre
20h - 21h DROLES DE DRAMES REVEILLON CHEZ LES GRIMM
La vraie fiancée d'Olivier Py d'après les frères Grimm
mise en scène Olivier Py
version radiophonique réalisée par Christine Bernard-Sugy
Enregistrement en public à l'Odéon-Théâtre de l'Europe samedi 13 décembre à 15h
Pour Olivier Py, les contes des frères Grimm n'ont été que trop longtemps « considérés comme une vitrine idyllique pour petites filles en quête de prince ». La plupart de ces contes n'ont rien de puéril, au contraire : recueillis et rédigés par des contemporains de la grande génération du romantisme allemand, leur merveilleux est d'autant plus frappant qu'il se détache sur un fond de gravité. L'oeuvre des frères Grimm offre « un moyen de parler aux enfants de ce dont on ne leur parle pas ». Deux des contes des frères Grimm ont d'ores et déjà été adaptés par le metteur en scène : La Jeune fille, le diable et le moulin et L'eau de la vie. À l'occasion de leur présentation aux Ateliers Berthier, il a décidé de leur adjoindre l'adaptation d'une troisième histoire, La vraie fiancée, surprenant carrefour où Cendrillon croise Peau d'Âne : « Il était une fois une fille jeune et belle, mais sa mère était morte quand elle était enfant, et sa marâtre faisait tout pour la chagriner... »
Avec Céline Chéenne, Samuel Churin, Sylvie Magand, Thomas Matalou, Antoine Philippot, Benjamin Ritter.
La vraie fiancée d'Olivier Py est jouée aux Ateliers Berthier du 23 décembre 2008 au 18 janvier 2009 dans une mise en scène d'Olivier Py. La pièce est à paraître chez Actes-Sud Papiers en décembre 2008.

dimanche 28 décembre
17h30 - 18h ENFANTINES REVEILLON CHEZ LES GRIMM
La gardeuse d'oies à la fontaine
Réalisation Jean-Matthieu Zahnd

Et aussi

lundi 22 décembre
12h-13h30 TOUT ARRIVE par Arnaud Laporte
Avec Olivier Py

samedi 27 décembre
18h30-19h JUSQU'A LA LUNE ET RETOUR par Aline Pailler
Grimm et les enfants
22h10 - 23h PERSPECTIVES CONTEMPORAINES coordination Blandine Masson
Blanche-Neige de Robert Walser
Réalisation Jean Couturier
Blanche-Neige est l'un des écrits décisifs de Robert Walser comme le souligne Walter Benjamin, dès 1929 : «... Blanche-Neige, l'une des œuvres les plus profondément significatives de la poésie récente. Elle suffit à elle seule à faire comprendre pourquoi cet écrivain, apparemment le plus fantaisiste de tous, fut un auteur de prédilection pour l'inflexible Kafka. » De la Blanche-Neige des Grimm, qui sert de prologue implicite à cette œuvre poétique-dramatique où tout se joue une fois « qu'ils furent heureux » entre une Belle-mère équivoque et bien vivante, un chasseur viril et un prince fuyant, ne semblent rester que ces mots de Blanche-Neige : « C'est un mensonge noir et fou, dur à entendre, bon à faire peur aux enfants. Va-t'en mensonge ! »
Avec Pierre Notte, Alice-Yann Schmidt, Michel Robin, Francine Bergé, Olivier Martial.
Le texte est édité chez José Corti.

[Illustrations: Rackham pour Grimm, 1917 et 1909]

Prix Charles Perrault

2008-12-02T23:44:00.004+01:00

Je suis content, je suis arrivé en seconde place du prix du meilleur article inédit organisé par l'institut Charles Perrault! Mon article, intitulé «Arthur Rackham dans les jardins de Kensington», devrait être publié dans la Revue des livres pour enfants.

Le livre des livres pour enfants

2008-12-01T17:33:00.007+01:00

Sympathique entretien avec François Rivière sur le site de l'Express, où ce prolifique auteur jeunesse rappelle quelques grandes dates de l'histoire de la littérature jeunesse. En même temps que la BNF fait une exposition sur le sujet (sans grosse prise de risque, visiblement, dans la perspective adoptée, je me demande même si j'y irais), François Rivière publie un livre intitulé Le livre des livres pour enfants, édité aux éditions du Chêne.

Je ne sais pas ce que le livre vaut, il semble qu'il soit essentiellement constitué d'images, comme souvent aux éditions du Chêne (qui sont par ailleurs dotés d'un site internet mal foutu, dans lequel il est quasi impossible de naviguer). Mais après tout, même le Matricule des anges de ce mois-ci en parle, il ne doit donc pas être dénué d'intérêt.

Ce que j'apprécie en tout cas chez François Rivière, c'est que, à lire son entretien, il a l'air de savoir de quoi il parle. Il n'est pas historien de la littérature, mais il arrive quand même à parler de Mame à propos de la littérature pour enfants du XIXe siècle, ce qui montre bien qu'il ne se contente pas de prendre en compte les grands chefs-d'œuvre du genre, mais connait aussi le tout-venant de l'époque, ce gros de la production pour jeunesse du XIXe siècle qui n'est pas resté dans les annales, et n'est plus guère réimprimé de nos jours. Esprit curieux, on lui doit notamment une biographie de James Matthew Barrie, l'auteur de Peter Pan.
J'apprécie également son point de vue sur l'édition jeunesse actuelle, et sur ses «nouveautés hypersophistiquées» et en cela-mêmes «atterrantes». Certains albums dits «jeunesse» sont en réalité des joujous pour graphistes, et me semblent bien éloignés de ce qu'un enfant est susceptible d'attendre de la littérature pour enfants. Autrement dit, à force de jouer avec les formes et les couleurs pour soi-disant développer la sensibilité des enfants, j'ai bien peur que parfois l'on produise des objets pour le moins hermétiques. Fascinants, certes, mais assez incompréhensibles, et souvent très fragiles, comme ce livre pop-up de David Pelham, certainement poétique, mais qui ravit davantage, je pense, les parents que les enfants.

Dulac à Toulouse

2008-11-26T23:36:00.006+01:00

Illustration du Quatrain XXII du Rubaiyat d'Omar Khayyam.

Profitant d'un passage à Toulouse pour une journée d'étude sur le livre illustré, organisée par le département de littérature comparée de l'université du Mirail, je me suis attardé à la médiathèque José Cabanis pour aller voir une exposition sur Edmund Dulac, très célèbre illustrateur franco-anglais de la première moitié du XXe siècle. Compte-rendu de cette exposition, en partie justifiée par la richesse des collections de la médiathèque, et par le fait qu'Edmond Dulac (qui se fera plus tard naturaliser anglais, et signera Edmund) est né à Toulouse.

Illustration pour «La Princesse au petit pois» des Contes d'Andersen

D'abord, un cartel très limité, pour ne pas dire quasi-inexistant, rend difficile la compréhension du contexte d'émergence de ces images. Et dieu sait, pourtant, que le contexte est important dans le cadre du livre illustré: on n'illustre pas tel type d'ouvrages de la même manière que tel autre, etc. Mais là, visiblement, on est prié de se reporter au catalogue. Bon. Belle muséographie cependant, qui met vraiment très bien en valeur les ouvrages, comme les planches indépendantes. Mais assez confuse néanmoins, ceci étant dû encore une fois à la faible présence d'explications directes des œuvres exposées. Certaines œuvres ne nous sont même pas présentées: certaines vitrines contiennent jusqu'à 5 ouvrages, dont un seul est décrit par le cartel. Il est dès lors impossible de faire une différence entre les exemplaires, ou même d'imaginer une chronologie de publication. Ce qui entraîne de manière générale un flou historique complet, conséquence d'une muséographie qui insiste plus sur la mise en scène des ouvrages que sur l'explication de leur contexte de création. A de rares exceptions près, bien évidemment: quand les images ou les objets exposés posent vraiment question (les timbres postaux, les instruments de musique, les revues litéraires que Dulac ornait de lettrines à l'époque où il apprenait les Beaux-Arts à Toulouse), on a droit à une petite explication. Mais tout cela est vraiment très limité, et on doit donc se reporter au livre-catalogue qui a été édité pour l'occasion pour en apprendre plus. Soit, allons donc le voir de plus près.

En le feuilletant, je me rends d'abord compte qu'il ne s'agit pas vraiment d'un catalogue d'exposition, puisque les œuvres exposées ne sont pas toutes répertoriées, et que par ailleurs on trouve des reproductions d'œuvres non exposées. Il s'agit donc plutôt d'un essai plus ou moins indépendant du conservateur en charge de l'exposition, Pierre Nouilhan. Je m'attendais également à voir le nom de Sophie Galinier, la lectrice de ce blog qui a attiré mon attention sur cette exposition à l'organisation de laquelle elle a participé, mais visiblement c'est Pierre Nouilhan qui est responsable du livre, et Pierre Nouilhan et Sophie Galinier qui sont responsables de l'exposition. Soit.
Le livre est par ailleurs assez peu épais (120 pages avec beaucoup d'images), et assez cher (30 euros) pour la quantité de texte qu'on peut y trouver. D'autant plus que ce texte est parfois (souvent?) émaillé d'erreurs et d'approximations.
Un exemple d'erreur p. 19: «William Morris, par exemple, fabriquait ses ouvrages en petit nombre, créant lui-même ses caractères et ses encres»; non, Morris ne fabriquait pas lui-même ses encres, il passait beaucoup de temps à les choisir et les faisait venir spécialement d'Allemagne, certes, mais il ne les créait pas. Il faisait déjà suffisamment de choses au sein de la Kelmscott Press (la typo, la mise en page, les ornements, le texte), n'en rajoutons pas trop.
Un exemple d'approximation p. 39: «[Arthur Rackham] était un grand dessinateur, influencé par l'Art nouveau»; peut-être va-t-on trouver que je chipote, mais non, Arthur Rackham n'est pas influencé par l'Art nouveau. Il peut à la rigueur être considéré comme un artiste Art nouveau, étant tout à fait contemporain de l'émergence de ce mouvement d'arts décoratifs, mais en aucun cas il n'est «influencé» par lui. Ses références sont Beardsley, Housman, Crane, etc., mais certainement pas Guimard, Horta, ou même Mucha. Et puis parler d'Art nouveau en Grande-Bretagne est à peu près aussi problématique que de parler de symbolisme anglais: les îles britanniques ont leurs propres écoles et mouvements d'arts décoratifs au tournant du siècle (les Arts & Crafts, l'école de Glasgow...), et n'ont donc pas véritablement besoin de s'inspirer des volutes végétales des décorateurs Art nouveau. Ceci engagerait un vaste débat que je ne veux pas lancer, mais dire que Rackham est influencé par l'Art nouveau est sinon faux, du moins très rapide et approximatif.
Seulement deux exemples, mais qui montrent bien que cet essai de Pierre Nouilhan est de seconde main, et qu'il aborde visiblement le sujet de manière pour ainsi dire nouvelle. Non que ce qu'il dise est globalement faux, mais c'est juste une synthèse qui d'une part n'apporte visiblement pas grand-chose de neuf (ce qui en soi n'est pas grave, puisque son travail permet après tout de synthétiser la bibliographie anglo-saxonne pour un public francophone), et d'autre part semble par endroits fort imprécise. Ce n'est pas grave, mais c'est dommage. Parce que c'est le premier livre de conséquence à être publié en langue française sur Dulac, et qu'il est dès lors dommage qu'il soit par moments... inconséquent.

Le rêve de l'entomologiste.

Néanmoins, je ne voudrais pas, par ces quelques critiques sans doute un peu pointilleuses, éloigner le lecteur de cette exposition. Bien que le cadre scientifique de cette exposition soit à mon sens insuffisant (mais après tout, nous ne sommes pas non plus dans un musée national...), il reste que l'on est ébloui par les images de Dulac, très rarement visibles en aussi grand nombre sur le territoire français, à part, je suppose, dans les biblliothèques de quelques collectionneurs privés... Après tout, le but d'une exposition n'est pas seulement d'apprendre, c'est aussi (surtout?) de passer un bon moment, et de donner accès aux œuvres. Cette exposition est l'occasion de voir de très belles choses, pour certaines assez étonnantes, comme les photos des costumes de Dulac pour la création de la pièce At the Hawk's Well de William Butler Yeats, fin 1815. Ou encore les séries d'illustrations de l'artiste commandées par l'éditeur Henri Piazza pour orner les numéros de Noël de l'Illustration, de 1910 à 1913, sur des thématiques aussi variées que les poèmes de Verlaine, les princesses orientales, la poésie vénitienne de Musset, ou les comptines françaises.

Allez donc vous réjouir les yeux, l'exposition dure jusqu'au 25 janvier. Mais si vous lisez l'anglais, vous pouvez ne pas dépenser les 30 euros du livre... qui est parfois en plus mal écrit, et là c'est le correcteur qui parle. «Le travail, bien que maigre, ne fut pas totalement interrompu» (p. 101): je ne savais pas qu'un travail pouvait être «maigre», ou gras, aussi, peut-être? Enfin bon, cessons de nous plaindre, c'est déjà tellement bien qu'on ait droit à une exposition, en France, sur un illustrateur anglais. L'honneur est sauf, néanmoins: il est d'origine française!

Parastou Forouhar

2008-11-24T14:29:00.005+01:00

Quand j'ai vu les oeuvres de Parastou Forouhar, j'ai pensé immédiatement à Marjane Satrapi. Et pour cause, les deux artistes sont iraniennes. Forouhar est née 7 ans avant Satrapi, en 1962. Bien que très différents, leurs styles respectifs semblent esquisser en noir et blanc une mise en image critique de l'Iran actuel.

Parastou Forouhar

Portfolio

Ossian et les peintres pré-romantiques

2008-11-18T21:32:00.013+01:00

C'est la saison des soutenances, décidément. Après celle de Natacha le 22 et celle de Charlotte le 6 décembre, c'est le tour de Saskia Hanselaar, une amie de l'époque où je faisais mon Master 2 à Nanterre sous la direction de Ségolène Le Men. Saskia soutiendra sa thèse d'histoire de l'art à l'université de Paris-X Nanterre, MAE, rez-de-jardin, salle 2, le lundi 24 novembre à 14h00. Sa thèse est tinitulée:

Ossian ou l'esthétique des ombres: une génération de peintres français à la veille du Romantisme (1793-1833)

Avec un titre comme ça, personnellement je craque, et j'ai vraiment envie d'en savoir plus. Malheureusement je ne pourrais pas être là, faisant cours au même moment... Bon, à défaut de pouvoir soutenir Saskia le 24, j'aurai peut-être un jour, je l'espère, l'occasion de lire son travail.

Anne-Louis Girodet-Trioson, Les ombres des héros morts pour la Patrie conduites par la Victoire viennent habiter l'Elysée aérien où les ombres d'Ossian et de ses valeureux guerriers s'empressent de leur donner dans ce séjour d'immortalité et de gloire la fête de la Paix et de l'Amitié, huile sur toile, 192 x 182 cm, 1801, musée national des châteaux de Malmaison et de Bois-Préau.

Pour la petite histoire, Ossian est un barde écossais mythique redécouvert par James Mcpherson, qui publia ses poèmes entre 1760 et 1763. Cette publication fit beaucoup de bruit à l'époque, notamment parce que les poèmes retranscrits par Macpherson virent leur authenticité contestée, mais surtout parce que ses thématiques et l'imaginaire qui fut attaché eut un retentissement considérable, à la fois dans les milieux littéraires et dans les milieux artistiques. Ossian était alors considéré comme le «Homère celtique», à une époque où l'Ecosse et le Pays de Galles commençaient à vouloir mettre en valeur leur culture nationale (le XVIIIe siècle est, en Ecosse, notamment l'époque de l'invention des kilts et des tartans). Les pré-romantiques et romantiques se sont emparé de l'œuvre d'Ossian notamment parce qu'elle opérait un déplacement de référent culturel par rapport à la culture classique et néoclassique: ce n'est plus la Grèce ou la Rome antiques qui sont posées en modèle, mais le monde «barbare» et nordique des Celtes. L'importance des écrits d'Ossian, complètement oublié de nos jours, était énorme au tournant des XVIIIe et XIXe siècles: il était, entre autres, l'un des poètes préférés de Napoléon. On peut en lire des extraits dans le n°23 de la collection romantique, chez Corti.

Le travail que propose Saskia est tout bonnement d'étudier la réception du mythe et de l'oeuvre ossianique dans la peinture pré-romantique française. Travail passionnant s'il en est, car la période est celle de nombreux déchirements idéologiques, esthétiques et politiques, où Ossian, en tant que héros celte, a pu servir des causes aussi différentes que le nationalisme écossais ou le bonapartisme... Bon courage à elle en tout cas pour le rite de passage.

Ouaknin, Kiefer et la kabbale

2008-11-16T23:22:00.010+01:00

En écoutant Michel Cazenave sur France Culture il y a quelque temps (c'était l'émission du 8 novembre, je ne pense pas qu'elle soit encore podcastable, malheureusement), Charlotte et moi sommes tombés sur une entrevue avec un personnage hors du commun, Marc-Alain Ouaknin. Il a même sa page wikipedia, c'est dire. Rabbin, docteur en philosophie et professeur de littérature comparée, il parlait alors du problème de l'interprétation des textes bibliques. Ce qui m'a frappé, c'est d'abord son propos que j'ai trouvé absolument passionnant, ensuite le fait que je l'ai retrouvé dans l'émission de Victor Malka le lendemain, le 9 novembre, à croire qu'il avait campé à Radio-France pendant la nuit (mais certaines émissions doivent être, je crois, pré-enregistrées, de toute façon, non? J'avoue mon ignorance dans ce domaine), et enfin le fait qu'il sorte trois bouquins quasiment en même temps (Zeugma, mémoire biblique et déluges contemporains, aux éditions du Seuil, Mystères de la Bible aux éditions Assouline et Invitation au Talmud aux éditions Flammarion, une réédition).

Du coup on a fait quelques petites recherches sur le net, et on a vu qu'il avait fait une conférence sur Anselm Kiefer et la kabbale à l'occasion de Monumenta 2007. Très intéressant, même si le début tarde un peu à se mettre en place. Mais bon, c'est une conférence, pas un cours... Toujours sur le site de Monumenta, il y a également tout un entretien avec ce rabbin, où il explique notamment la conception judaïque du Livre, qui n'est pas seulement un objet de consommation, un media qu'on peut jeter après usage, mais un objet rituel, envers lequel le lecteur s'engage physiquement, de tout son être, et pas seulement de manière intellectuelle. Passionnant. Dans le même registre, une table ronde d'universitaires sur la kabbale, l'alchimie et l'art de Kiefer, dont le propos reste assez grand public, mais qui a l'immense mérite de tordre le coup à certains préjugés (nombreux en matière d'ésotérisme), et par ailleurs d'être très clair. Ce qui est également assez rare dans le domaine de l'ésotérisme. Très bonne introduction à l'histoire de la kabbale et à celle de l'alchimie si l'on n'y connaît pas grand chose (comme moi). En tout cas c'est très agréable et intéressant à écouter quand on doit donner le biberon à un nourrisson à 1h30 du matin.

Anselm Kiefer, Zim Zum, 1990, National gallery of Art, Washington.

Je regrette vraiment d'avoir manqué le Monumenta de 2007. D'autant plus que celui de cette année, avec Richard Serra, était pour le coup assez décevant. En regard de la richesse de l'œuvre de Kiefer, la Promenade de Serra fait pâle figure.

L'art invisible

2008-11-14T01:23:00.007+01:00

Non, je ne veux pas parler du livre de Scott McCloud sur la bande dessinée. Simplement signaler la sortie, sinon aujourd'hui 14 novembre (date annoncée de publication), du moins très prochainement, d'un livre sur la typographie du livre français. Réalisé par les étudiants du pôle Métiers du Livre de l'IUT de Bordeaux sous la direction de leurs professeurs d'édition et d'histoire de la typographie, Olivier Bessard-Banquy et Christophe Kechroud-Gibassier, cet ouvrage regroupe à la fois des études historiques et des rencontres professionnelles» avec des éditeurs, graphistes, typographes... Le livre, paru aux Presses Universitaires de Bordeaux, a l'air d'être intéressant non seulement parce qu'il nous instruit de certains éléments de l'histoire des caractères, mais également parce qu'il plaide pour un renouveau de l'art de création des fontes et de composition des caractères.

Moins complet que le manuel de James Felici, plus centré sur la France et donc moins général que le livre d'Ellen Lupton sur la même question, ce livre a donc par ailleurs la particularité d'être sinon polémique, du moins programmatique. Dans l'article de Livres Hebdo que j'ai lu sur le sujet, des éditeurs comme Allia, Fata Morgana ou Tristram sont cités en exemples de maisons pour qui la présentation physique du texte a de l'importance. Plus une typo est visible, moins elle est lisible. Et inversement. C'est pourquoi on peut parler d'art invisible, tant les efforts des typographes et des graphistes qui s'acharnent à produire des fontes de qualité passent généralement inaperçus, dans notre univers visuel où les apostrophes et les guillemets droits tendent à s'imposer même dans l'édition papier.

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Oui, j’aurais pu donner l’exemple en utilisant des apostrophes orthodoxes dans l’ensemble de ce billet, mais pour le coup c’est vraiment trop fastidieux pour un support comme le blog.

Féerie symboliste

2008-11-09T00:17:00.003+01:00

C'est la saison des soutenances de thèse... La date définitive de celle de Charlotte est arrêtée. Ce sera le 6 décembre, je crois aux alentours de 14h00 en salle 410 du site Censier de l'université de Paris-III.
Je rappelle le sujet : il s'agit d'une thèse en littérature générale et comparée, dont le titre complet est La fée dans le symbolisme européen, domaines francophone et anglophone, identité nationale, mémoire littéraire et questionnements poétiques.
Le jury sera constitué de Jean Bessière (le directeur), Stéphane Michaud, Joanny Moulin, Micéala Symington, et Laurence Brogniez.

Dante Gabriel Rossetti, illustration pour The Maids of Elfin-Mere, poème de William Allingham, publié en 1855 (gravure sur bois des frères Dalziel).

La thèse de Charlotte Michaux tente de rassembler et de confronter les poèmes de plus de 50 auteurs français, belges, anglais et irlandais, entre 1880 et 1920, dans une approche qui ne se contente pas d'une simple analyse thématique, mais qui met en perspective le motif féerique à la fois dans l'histoire littéraire et dans la poétique symboliste de la suggestion. Tout un programme, donc, dont le motif central est davantage celui de la grande fée hiératique héritée de l'imagerie préraphaélite que celui de la petite créature espiègle aux ailes de libellule. Avis aux amateurs, ainsi qu'aux amis (ce sont parfois les mêmes personnes) : venez soutenir Charlotte dans cette épreuve.

Folklore en ligne

2008-11-03T11:50:00.002+01:00

Une nouvelle liste de diffusion sur les sciences du folklore est née sur H-net. On peut s'inscrire ici. La liste est internationale, visiblement de langue anglaise, et a pour but de faciliter la communication entre les chercheurs. Dieu sait que la recherche française est en retard et en manque de visibilité dans ce domaine. J'espère que cette liste sera utile à lui donner, peut-être, quelques impulsions.

Plagiat sur droits d'auteurs

2008-11-01T18:00:00.004+01:00

Je ne fais que rapporter une information déjà colportée par Pierre Assouline, mais le fait divers est trop amusant pour ne pas être partagé : Bernard Edelman, éminent spécialiste du droit d'auteur, auteur du "Que sais-je?" sur la propriété littéraire et artistique, s'est lui-même fait récemment accuser... de plagiat dans l'un de ses livres, où il aurait oublié de mettre des guillemets à une longue citation d'une thèse de Laurent Pfister sur l’histoire du droit d’auteur. L'accusatrice est une enseignante-chercheuse en lettres de l'université de Tours, Hélène Maurel-Indart, elle-même spécialiste de ces questions, qui avait formulé ses accusations dans un livre publié aux éditions de la Différence, Plagiats, les coulisses de l'écriture. Bernard Edelman l'avait attaquée en diffamation, et le tribunal de grande instance de Versailles vient de débouter sa plainte, donnant ainsi raison à Hélène Maurel-Indart.
Les emprunts non référencés sont une pratique malheureusement récurrente dans les milieux universitaires, mais l'affaire est d'autant plus étonnante qu'il s'agit là d'un plagiat d'une thèse sur le droit d'auteur par un spécialiste de la propriété intellectuelle... Plus de détails sur le site de l'@mateur d'idées. Il est vrai qu'on ne demande pas forcément à un philosophe d'être sage, ni à un historien de l'art d'avoir bon goût... mais de là à enfreindre les règles qu'on enseigne, il y a des limites !

Dans la chambre des cartes

2008-10-30T10:36:00.012+01:00

Le nouveau numéro de la revue en ligne Textimage, consacré aux Cartes et Plans, vient d'être publié. Où Olivier Leplatre nous explique que les utopies de la Renaissance sont cartographiables, où Ana-Maria Gîrleanu-Guichard nous introduit à la cartographie mystique du poète Christian Gabriel/le Guez Ricord, où Maïa Peyré fait le point sur l'usage des cartes et plans dans la littérature fantasy, et dans le cycle de La Roue du temps de Robert Jordan en particulier.

Carta Marina d'Olaus Magnus (1539)

Et où nous recommandons, en lecture complémentaire, la lecture du livre d'Elena Balsamo sur la Carta Marina d'Olaus Magnus, qui est une carte légendaire de la Scandinavie datant de la Renaissance. Chez José Corti. Carte dont on peut voir des détails agrandis, absolument superbes, sur le site de l'université du Minnesota.

Visages du livre

2008-10-23T16:34:00.004+02:00

C'est le nom d'une exposition virtuelle proposée par la bibliothèque Carnegie à Reims, qui a suivi une exposition réelle au sein de cette belle et riche institution, du 11 mars au 30 avril derniers. L'exposition a pour thème la figure de frontispice et la page de titre, depuis leur invention à la Renaissance jusqu'à nos jours. Elle était assortie d'un colloque sur trois jours en mars dernier, auquel j'ai eu l'honneur de participer. C'était vraiment très intéressant : contrairement à d'autres colloques auxquels j'ai pu assister, dans lesquels tout le monde parle dans son coin, il y avait un vrai dialogue. Les actes devraient normalement à l'avenir, je l'espère, être publiés.

Page de titre de La Fabrique du corps humain d'André Vésale, 1542 (image prise ici)

L'exposition virtuelle est je trouve très bien conçue, et donne bien les jalons de l'histoire de cette figure imposée des arts du livre depuis la Renaissance, qui consiste à fournir un premier aperçu du contenu d'un ouvrage en une seule page à la position symbolique. De la page de titre architecturée à la couverture illustrée, en passant par la gravure indépendante en face de la page de titre, l'image a en tout cas son rôle à jouer dans la mise en scène du texte.

Cordes pincées au diapason du temps

2008-10-15T12:51:00.012+02:00

Henrik Strinberg (b. 1954)

Mes divagations sur la toile m'ont fait tomber sur deux pièces tout à fait récentes pour guitare,
qui m'ont mis une idée troublante en tête : le "metal" s'invite désormais dans la pensée guitaristique moderne.
La pièce composée par Jeff Stanek fait intervenir une guitare électrique et un violoncelle. La musique est faible mais le cadre est posé, et l'usage intempestif du triton noyé dans une distorsion convulsive est sans appel (Derek Johnson n'est d'ailleurs pas mauvais dans cet emploi).
Love & Agression
L'autre pièce, à l'inverse, ne fait pas de référence explicite au metal, et pourtant je ne doute pas que si Fredrik Thordendal découvrait l'oeuvre de son génial compatriote Henrik Strinberg, il serait fort ému, car on croirait du Special Defects transfiguré en duo classique... Jubilatoire !
Unnggg

The Way of All Flesh

2008-10-12T23:29:00.007+02:00

Bon, j'étais un peu dubitatif quand j'ai entendu tous les effets sur le chant et les bouts de sons digitaux par-ci par-là, mais non. A deuxième et troisième écoutes, le dernier album de Gojira confirme la réputation du groupe. Pour parler jeune, ça déchire sa race. Juste le troisième morceau, A Sight to Behold, que je trouve mal foutu et inutile, le reste est plein d'idées rythmiques et sonores phénoménales et vachement bien produites. The Art of Dying est notamment parmi mes titres préférés. Et puis le concept qui tourne autour des différentes conceptions de la mort et de la vie après la mort est assez bien mené. Ne pas s'attendre néanmoins au son brut et simple des deux premiers albums, le groupe a évolué et aime désormais les arrangements.

Jamais deux sans trois

2008-10-11T19:06:00.005+02:00

Le samedi 22 novembre à 9 heures, dans la salle des Colloques de l'université Grenoble 3-Stendhal, aura lieu la soutenance de la troisième thèse française sur les contes de Grimm. La première étant celle d'Ernest Tonnelat, en 1912, et la deuxième étant... la mienne, l'année dernière, quoique je n'aie étudié les contes que de seconde main, et que mon objet principal ait été les illustrations.

La thèse de Natacha Rimasson-Fertin a pour objet une étude comparée, à la fois littéraire et anthropologique (histoire des croyances populaires), des contes de Grimm et d'Afanassiev. C'est un doctorat d'allemand, qui a pour titre:

L'autre monde et ses figures dans les Contes de l'enfance et du foyer des frères Grimm et les Contes populaires russes d'A. N. Afanassiev.

Caspar David Friedrich, Brouillard, 1807, huile sur toile, 34,5x52cm, Vienne, Kunsthistorisches Museum

Je précise simplement que Natacha est la traductrice de la prochaine édition critique des contes de Grimm, à paraître l'année prochaine chez Corti. Bon courage à elle pour la dernière ligne droite.

Jackson, Del Toro, Rackham, Tenniel au pays des merveilles

2008-10-09T10:26:00.007+02:00

Très amusant compte-rendu d'interview de Guillermo Del Toro, le réalisateur des deux Hellboy et du Labyrinthe de Pan, où l'auteur du billet développe les liens entre ce dernier et Peter Jackson, réalisateur de la trilogie du Seigneur des Anneaux. Où l'on apprend notamment que Guillermo Del Toro va tourner prochainement Bilbo le Hobbit en Nouvelle-Zélande, que les deux réalisateurs collectionnent les jouets, et que Del Toro est particulièrement amateur... des livres illustrés par Arthur Rackham et Edmond Dulac. Qui ne sont que très rarement, n'en déplaise à Aurélien Ferenczi, l'auteur du billet, des "romans victoriens", mais plutôt, en général, des classiques de la littérature mondiale, et en particulier de la littérature merveilleuse et légendaire.

Quand on voit certaines images de Del Toro, surtout dans Le Labyrinthe de Pan, il est évident qu'elles rappellent les images de Rackham, et les illustrations victoriennes en général. Comment ne pas penser aux illustrations de Tenniel pour Alice au Pays des Merveilles en voyant le costume bien apprêté de cette petite fille, et à celles de Rackham quand on voit cet arbre tordu, aux formes évocatrices? De même, dans l'image ci-dessous, l'héritage d'Alice au Pays des Merveilles est flagrant, avec son imagerie de petite fille rentrant dans un terrier et arrivant dans un long couloir souterrain qui l'achemine vers l'Autre Monde. A la différence que la version de Del Toro de l'Autre Monde est bien plus terrifiante que celle de Carroll, et qu'elle doit autant à Lovecraft ou à Clive Barker qu'à l'auteur d'Alice.

Pour information, Alice est représentée par John Tenniel, selon les injonctions de Lewis Carroll lui-même, comme une petite fille aux cheveux longs et blonds.

John Tenniel, illustration pour Alice, 1865.

Mais la véritable Alice, Alice Liddell, dont Lewis Carroll s'inspire pour écrire Alice au Pays des Merveilles, est connue par des photographies (toujours de Lewis Carroll) où elle porte ses cheveux bruns dans une coupe courte, au carré.

Lewis Carroll, portrait d'Alice Liddell, années 1860.

Quand Rackham illustrera à nouveau Alice au Pays des Merveilles en 1907, il suivra le parti de John Tenniel, qui avait été, sous les injonctions de Lewis Carroll, de dissimuler l'identité d'Alice Liddell sous une perruque blonde.

Arthur Rackham, illustration pour Alice, 1906.

C'est sous cette forme de petite fille aux longs cheveux blonds que l'on connaît généralement le personnage d'Alice, mais tous les illustrateurs ne l'ont pas représentée comme telle. Ainsi Charles Robinson, toujours en 1907, représente Alice les cheveux bruns, au carré... La très intéressante version en album, illustrée récemment par Jong Romano, représente encore une fois Alice brune avec une coupe mi-longue, mais avec des couettes cette fois-ci, histoire de la moderniser un peu. Tout se passe comme si nous n'avions que deux représentations possibles du personnage d'Alice: les cheveux courts (ou plutôt mi-longs) et bruns, ou longs et blonds. Le parti de Guillermo Del Toro, pour faire allusion au personnage de Carroll, a été de faire référence au type, sinon le moins fréquent, du moins le moins connu: celui aux cheveux bruns et mi-longs. Justement pour que sa référence au personnage de Carroll reste une simple allusion, et ne relève pas de l'évidence absolue.

Jong Romano, couverture pour Alice au Pays du Merveilleux Ailleurs, Au Bord des Continents, 2000.

Quant à l'influence des images de Rackham sur ce film, c'est une autre histoire. On a déjà vu les formes d'arbres tordus, qui doivent peut-être autant à l'univers de Tim Burton qu'à celui de Rackham (mais Tim Burton connaît très probablement lui-même très bien l'oeuvre de Rackham). Qu'il nous soit juste permis de faire allusion au livre que tient Ofélia au tout début du film (mes excuses si je n'ai pas d'image à montrer): c'est un livre de conte de fées illustré en silhouettes, genre de représentation dans lequel s'est particulièrement illustré Arthur Rackham...

Typographie

2008-09-29T11:55:00.004+02:00

Dans mes recherches sur les Didot, j'ai trouvé un excellent site internet sur la typographie: Affaire Esperluette. Il y a plein d'explications sur les familles de caractères (humanes, réales, didones, linéales, etc.), ainsi que sur quelques polices très connues ou importantes historiquement (le Times, le Grandjean, le Garamond, le Caslon, le Baskerville, etc.) Vraiment très bien fait, ce site, je trouve. Je regrette juste qu'il n'y ait pas un peu plus d'exemples visuels: il y en a, mais pas sur toutes les pages.

Forêts scandinaves

2008-09-26T00:03:00.010+02:00

J'ai écouté cet album pendant tout le mois d'août. Eternal Kingdom de Cult of Luna, lumière montante du post-hardcore à la Neurosis et Isis. Lumière nordique également: leur musique est très froide, et dégage une ambiance de forêt scandinave. Ce que j'ai aimé dans leur dernier album, sorti en juin dernier, c'est la musique bien sûr, avec ses passages de cor de chasse et ses ambiances froides et oppressantes, ainsi que le design du packaging (réalisé par Erik Olofsson, qui fait partie intégrante du groupe et est par ailleurs designer), qui est véritablement superbe avec ses réemplois de vieilles xylographies dans le livret, et sa splendide couverture dessinée par Pär Olofsson. Mais j'ai aussi surtout apprécié l'histoire qui a entouré sa création.

Cette histoire, que dévoile le chanteur sur le myspace consacré à l'album, je voudrais la reprendre en quelques lignes. Dernièrement le groupe, qui vit et travaille en Suède, avait changé de lieu de répétition, et s'était installé pour ce faire dans un ancien asile psychiatrique. En faisant du ménage dans leur local, ils trouvent des vieux papiers médicaux, des peintures et autres productions de patients aliénés... Parmi tout ce fourbi, ils trouvent notamment le journal intime d'un dénommé Holger Nilsson, intitulé Contes du royaume éternel. Ils découvriront par la suite que celui-ci a été condamné pour le meurtre de sa femme, et incarcéré à vie dans cet asile.
Dans son journal, Holger Nilsson explique comment sa femme a été tuée par le Näcken, qui est présenté par le groupe comme un équivalent suédois populaire de Satan, mais qui semble surtout, d'après Wikipedia, être l'équivalent masculin d'une nixe, et tient en tout cas la fonction d'un genius loci à caractère maléfique. On a notamment un très beau et suggestif nokken norvégien représenté par Kittelsen.

Quoi qu'il en soit, ce Holger, pour maquiller son meurtre, s'invente visiblement une histoire où le Näcken, sous la forme d'un hibou maléfique, roi des mauvais animaux, tue sa femme. Durant la nuit, il voit une lumière dans la forêt, et commence à se diriger vers elle. Il arrive alors près d'un feu autour duquel dansent des animaux et des garous - des hommes-loups, des hommes-ours... Il voit également un gitan, qui se révèlera être Ugin, le Roi Hibou: tout ceci constitue en fait une sorte de sabbat, une réunion des mauvais animaux. Le gitan se transforme en hibou quand il voit Holger, et le fait prendre en chasse. Holger réussit néanmoins à s'enfuir, et le lendemain il reçoit la visite d'un représentant des bons animaux, qui sont menés par un grand tétras (capercaillie). Le Roi Grand Tétras lui explique alors les secrets de la forêt, et la lutte qui oppose les bons animaux aux mauvais animaux. Il lui explique qu'ils ont envoyé un espion dans le camp des mauvais animaux, et qu'ils se préparent à lancer une attaque décisive grâce à une information qu'ils ont réussi à acquérir. L'information se révèle en définitive fausse, et l'attaque se solde par un échec des bons animaux, qui sont encerclés et capturés. Holger se fait également capturer, et enfermer dans un dongeon: dans la vie réelle, l'asile psychiatrique.

Cult of Luna, dans les paroles de son album et le déroulement de ses morceaux, ne ferait que reprendre, à sa manière, l'histoire de Holger et son univers de forêt nordique peuplée de bons et de mauvais animaux se livrant une lutte éternelle. L'histoire ressemble point pour point, sinon à un conte de fées, du moins à un récit tiré du folklore, type mémorat ou légende. Je ne sais pas si ce journal de Holger est une invention complète du groupe destinée à mieux vendre leur album ou bien une histoire vraie, toujours est-il qu'elle est très réussie. La conjonction du récit d'un fou et d'un récit de type folklorique, avec le Näcken comme source de tous les maux, produit un mélange détonnant, où l'on ne sait plus ce qui est vrai et ce qui ne l'est pas. Je ne sais pas si Cult of Luna a inventé cette histoire, ou si Holger Nilsson a réellement existé; je ne sais pas, dans le cas où Cult of Luna n'aurait rien inventé, si Holger Nilsson était fou, s'il a été victime de ses croyances superstitieuses, s'il a mêlé sa folie à ses croyances, ou s'il a vraiment vécu les choses telles qu'il les a racontées. Mais je sais que j'adore cette incertitude, et c'est ce mélange des réalités que, personnellement, j'appelle le merveilleux.

Faut-il ?

2008-09-22T15:39:00.004+02:00

Les lecteurs attentifs de ce blog auront remarqué mon apparition subite sur Ombres Vertes il y a quelques mois, sous le pseudo de Continuum. Les lecteurs attentifs auront également remarqué que jusqu'à présent, mon existence de blogueur ne s'était pas développée au-delà de cet espace partagé avec mon cher hôte et ami, j'ai nommé François. Considérons maintenant cela comme du passé, puisque la toile s'est enrichie il y a quelques jours d'une nouvelle adresse où je me suis aménagé un nouveau logis. Bien sûr, je ne pars pas tout à fait et je continuerai d'intervenir sur Ombres Vertes, mais peut-être plus rarement, suivant les occasions.
J'invite donc les marathoniens qui parviennent à lire mes billets jusqu'au bout, et les insomniaques qui trouvent un bon remède dans ma lecture, à venir me rejoindre dans Le Beau Vingt-et-Unième !
J'y parlerai de musique bien sûr, et d'autres choses propres à développer l'esprit et l'âme, mais surtout pas de moi (ou très peu). Aussi j'essaierai modestement de participer le moins possible à ce mouvement général de paresse intellectuelle, ce brouhaha moyen-âgeux qui caractérise la blogosphère tant par les propos tenus que par leur énonciation.
Je n'aurai peut-être pas beaucoup de lecteurs, mais avoir deux lecteurs ou cent m'importe peu puisque je n'attend rien de l'internet, et surtout pas la création d'un pseudo lien social. Sauf à croiser des esprits aventureux qui échoueraient chez moi par hasard comme c'est arrivé parfois sur Ombres Vertes - c'est marrant ça.
Voilà, j'ai tissé mon fil.
Je remercie François pour son sens du partage (son idée d'ouvrir son espace personnel à des contributeurs extérieurs), et aussi pour sa tolérance (aucune prise de tête sur le contenu des billets). Ca fait toujours plaisir.

Calligraphies de William Morris

2008-09-19T13:53:00.014+02:00

William Morris, King Hafbur and King Siward, encre et aquarelle sur papier, c. 1873.

Dans la lignée du précédent billet, et pour répondre à certaines des remarques qui lui ont été faites, un autre visage de William Morris, celui du calligraphe... où l'on remarque encore une fois la proximité du travail de notre artiste victorien avec les enlumineurs et calligraphes médiévaux. Ci-dessous, une photographie du manuscrit de Saint Gail, fournie par la bibliothèque virtuelle CESG via M. Patouche, où l'on retrouve le système des encres bicolores, avec incipit en rouge et corps du texte en noir. Comme l'a fait remarquer M. Patouche par mp, on dirait presque un livre imprimé, et pourtant ça date du IXe siècle: grandes marges vides, "justification" du texte, cadrage de l'image qui donne l'impression d'une planche gravée, position de la lettrine...

Manuscrit de Saint Gail, fin du IXe siècle.

Ce sont donc ces modèles de manuscrits qui ont inspiré notre manière de concevoir le livre imprimé, et cela depuis le XVe siècle (Voir La Naissance du livre moderne, Henri-Jean Martin, éditions Cercle de la Librairie; on peut aussi aller voir la page incunable de Wikipedia).

Comme je disais, donc, William Morris s'est non seulement intéressé aux incunables, mais aussi à la calligraphie médiévale. Aussi il est difficile de déterminer ses modèles artistiques, que ce soit en tant qu'imprimeur ou en tant que calligraphe. Il serait trop simple (mais évidemment pas complètement faux) de dire qu'il s'inspire des manuscrits médiévaux pour ses travaux de calligraphie, et des incunables pour ses travaux d'imprimeur. Mais comme les incunables s'inspirent eux-mêmes des manuscrits, ça brouille un peu la chaîne déterministe des inspirations, et il paraît probable que Morris s'inspire des manuscrits médiévaux comme des incunables, à la fois pour ses travaux d'imprimeur et de calligraphe.

William Morris, Rubaiyat d'Omar Khayyam, encre, aquarelle et dorures sur vellum, 1872.

Si le principe de la dorure à l'intérieur de la page, dans l'exemple ci-dessus, semble directement inspiré des manuscrits médiévaux, on remarquera néanmoins la (relative) séparation du texte et de l'image, qui ne s'entremêlent pas, et qui semble découler de l'organisation des incunables, où la planche xylographique et la typographie sont séparées spatialement, plutôt que des manuscrits. Cependant, l'exemple du manuscrit de Saint Gail, fourni par M. Patouche, montre que tous les types d'organisations spatiales existent dans les manuscrits médiévaux, et donc que les choses sont plus compliquées que ça. D'autre part, il y a chez Morris, comme ci-dessous, des manuscrits avec envahissement de l'espace du texte par les bordures végétales.

Morris, Fairfax-Murray, Burne-Jones, Wardle, A Book of Verse, encre, aquarelle et dorures sur papier, 1870

On trouve donc de tout, aussi bien dans les manuscrits médiévaux que dans ceux de Morris. Cette inventivité des manuscrits est essentiellement due à l'absence des restrictions techniques qui caractérisent au contraire les livres imprimés jusqu'au début du XXe siècle, dans lesquels les conditions et techniques d'impression influent sur l'organisation de la page. A la main, c'est long, mais on peut tout faire. Avec une presse, c'est plus rapide, mais on ne peut pas tout faire. Avec un logiciel, on peut (on pourra?) tout faire, c'est relativement rapide, mais c'est beaucoup plus compliqué.

En définitive, pour connaître les modèles de Morris, il faudrait surtout enquêter dans sa vie privée, pour savoir à quels manuscrits et à quels incunables il a eu accès, et ainsi reconstituer sa "bibliothèque imaginaire", afin de voir où est l'invention, où sont les emprunts. Le travail a déjà été en grande partie effectué pour la typographie; pour l'organisation de la page c'est plus compliqué, sachant qu'il y a non seulement les incunables, mais aussi les manuscrits qui rentrent en ligne de compte.
Pour la fin de ce billet, je voudrais présenter une calligraphie de William Morris dont j'aurais bien aimé connaître l'existence avant la rédaction et la soutenance de ma thèse: il s'agit d'une calligraphie de jeunesse, inachevée et assez maladroite, prenant pour texte un conte de Grimm, Der Eisenhans (L'homme de fer, ou Hans de fer). Qui sait, je pourrais peut-être l'exploiter pour la publication, si un jour elle advient?

Morris, Der Eisenhans (Grimm), encre, aquarelle et peinture dorée sur vellum, 1857.

Kelmscott Press

2008-09-15T10:40:00.005+02:00

En ce moment, je prépare un petit cours sur l'impression de l'image et du texte au XIXe siècle, de Didot à Morris. Qu'est ce que c'est beau les productions de la Kelmscott Press de William Morris! Je sais que c'est un peu réactionnaire d'aimer les recréations néogothiques victoriennes des livres imprimés du XVe siècle, mais on ne peut pas nier que William Morris avait le sens de la mise en page. C'est même plutôt bien que le texte, sur deux colonnes, ne soit pas justifié mais ferré à gauche, ça laisse un peu de blanc à la page, ce qui évite d'accentuer l'effet de masse déjà obtenu par une décoration surchargée des bordures et des lettrines (cliquer sur l'image pour la voir en plus grand).

Burne-Jones (illustrations), Morris (typo, lettrines et bordures), The Works of Geoffrey Chaucer, Kelmscott Press, 1896.

Je pense que politiquement (il ne faut pas oublier qu'il était socialiste militant), William Morris, de nos jours, aurait été dans le camp de la décroissance: contre le Grand Capital, on revient aux méthodes de production de «nos ancêtres», on revalorise l'artisanat, la qualité au lieu de la quantité, on lutte pour de bonnes conditions de production (comme pour le commerce équitable, qui est une version mondialisée de la conscience de classe propre à la culture ouvrière syndicale... sauf qu'elle ne vient pas des mêmes acteurs), etc. «William Morris, un prototype de la culture bobo?» Un beau titre de communication, ça, il faudra que je me penche là-dessus.

The Recuyell of The Historyes of Troye (Raoul Lefèvre, trad. William Caxton), Kelmscott Press, 1892.

Admirez ça, si ce n'est pas une bonne idée d'imprimer les têtes de chapitre en rouge! Depuis les années 1980, on est dans une culture moderne qui fait du vide autour du texte, et qui privilégie les outils de la position du texte, de sa taille, et du blanc de la page pour mettre en valeur les éléments paratextuels (titre, note, changement de paragraphe, etc.). Mais dites-moi, ça n'a pas plus de gueule de tout garder au même corps et de ne pas faire d'interligne, et d'utiliser tout simplement des encres de couleur différente pour désigner ce qui n'appartient pas proprement au texte? Ca serait intéressant d'utiliser des couleurs pour imprimer le texte dans l'édition «courante», non? Je suis sûr que des tentatives modernes ont été faites, mais jamais dans des livres de grande diffusion. En général on se cantonne au noir. C'est bien le noir. Mais un peu de rouge de temps en temps, ça ferait du bien, dans nos livres de poche (à condition que ce soit un beau rouge, bien sûr).